El blog trata temas de Joan Miró y sus relaciones en Arte y Cultura, para un uso pedagógico o divulgativo. El uso de textos y enlaces, imágenes y grabaciones, no tiene intención comercial y las reclamaciones se atenderían de inmediato. Google ha insertado cookies y se da aviso, según la normativa.
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El simbolismo, desde
sus dos grandes focos de París y Bruselas, marcó los decenios finales del siglo
XIX, ejerciendo una influencia directa o indirecta sobre muchos de los más importantes
artistas de las primeras vanguardias: Kandinsky, Picasso, Chirico, Boccioni, Malevich....
Más tarde fue reivindicado por el surrealismo gracias sobre todo a su común y apasionado
interés por el esoterismo y la mujer.
Gérome. Diógenes el cínico.
Los temas mitológicos como el rescate por Perseo de la princesa en lucha con el dragón o el canto de las sirenas ante Ulises y su tripulación fueron muy frecuentes.
Miró consideraba que
el impresionismo era válido para el mundo rural y el futurismo para el mundo
urbano; quedaba el simbolismo para el mundo onírico, y así Miró percibió el
influjo de Arnold Böcklin, James Ensor, Fernand Khnopff, Max Klinger, Alfred Kubin,
Gustave Moreau, Odilon Redon. Además, los poetas simbolistas estuvieron entre
los preferidos por Miró desde los años 10, destacadamente Rimbaud, Mallarmé y
Lautréamont, a los que me referiré en los apartados de la relación de pintura y
poesía en la época surrealista. Hay además una mención de Miró al famoso novelista
simbolista Joris-Karl Huysmans (París, 1848-1907), autor de A contrapelo (À rebours),
muy popular entre los surrealistas: ‹‹En un periodo de soledad, Huysmans, con
su necesidad de rebelión, su deseo de evasión, me ayudó mucho.››[1]
Las obras
simbolistas basadas en la fantasía, su colorido y el detallismo con que
representan mundos irreales e inquietantes, con formas anticonvencionales,
tienen evidentes puntos de contacto con el estilo mironiano de los años 20.
Dore Ashton (1971) explica que hacia 1912 comienza a recibir la influencia de
los impresionistas y fauvistas, así como incorpora la idea simbolista del espíritu
que ya no le abandonará: ‹‹(...)The Symbolist emphasis on the indefinable function
of “spirit” seems never to have left him. (...)›› como prueba la defensa del “espíritu”
en las cartas a sus amigos hacia 1917, lo que se refleja en sus paisajes de
1918-1919, plenos de una musicalidad y un arabesco que deben mucho al simbolismo:
‹‹(...) Musicality and
the idea of the arabesque —even the most spiritualized idea of the arabesque as
expressed by Mallarmé in poetry and Moreau in his aesthetic writings— are
implicit in these landscapes.››[2]
Klinger. Abducción (1893), de la serie Un guante.
Klinger.Madre muerta (1898), de la serie En la muerte, parte II.
Max Klinger
(1857-1920), de origen alemán pero pronto afincado en Bruselas, es un pintor, grabador y escultor tardorromántico y
simbolista que influye sobre los surrealistas, y que Breton aprecia particularmente por su imaginario pleno de fantasías
y metáforas sexuales. Apunto que el guante como fetiche sustituto
del cuerpo humano que aparece como tema de la serie de 10 aguafuertes y aguatintas
Paráfrasis sobre el hallazgo de un guante (1881) tal vez influye en El
guante blanco (1925) de Miró.[3]El interés de Miró por la
materia como inspiración y conductor del acto creativo es similar al de Klinger,
que escribió: ‹‹Debido a su particular apariencia y su obligada manera de manejarlo,
cada material está penetrado de un único espíritu y poesía que, en las manos
del artista, refuerza enormemente el carácter de la representación, y para el
cual no hay sustituto (…)››[4]
Khnopff.. Las caricias de la Esfinge (1896).
Khnopff.La sangre de Medusa(1898).
En el caso del belga
Fernand Khnopff (1858-1921), se encuentran puntos de contacto con Miró, como la
ambigüedad o ambivalencia de la identidad sexual, la transgresión de las convenciones
sexuales, y el interés por el esoterismo (en concreto el rosacrucismo) y el
tema del monstruo.[5]
Kubin. Agonizando (c. 1899).
El austriaco Alfred
Kubin (1877-1959) descubre la obra de Klinger en 1901 y comienza a elaborar un
mundo fantástico de seres informes, de sexualidad amenazante y a veces con ojos
inmensos, que tienen afinidad con las bioformas más grotescas de Miró.[6]
En cambio, no hay
ecos en Miró de otros artistas simbolistas como Pierre Puvis de Chavannes —aunque su imaginería está plena de significados, es demasiado racionalista y
clásica—, Ferdinand Hodler, Félicien Rops, Franz von Stuck, Jan Toorop...
Las analogías
mironianas son en cambio más evidentes con cuatro de los grandes maestros
simbolistas: Gustave Moreau (1826-1898), Arnold Böcklin (1827-1901), Odilon
Redon (1840-1916) y James Ensor (1860-1949). A ellos dedico apartados
específicos.
NOTAS.
[1]Duthuit, Georges. Où allez-vous Miró? “Cahiers
d’art”, v. 11, nº 8-10 (1936) 261-264. Cit. Rowell. Joan Miró. Selected Writings and Interviews.
1986: 152. / Rowell. Joan
Miró. Écrits et entretiens. 1995: 163. / Rowell. Joan Miró. Escritos y conversaciones. 2002: 216.
[2]Ashton, D. Stripping Down
the Cosmos, en A Reading of Modern Art. 1971. Reprod. en Kaplan;
Manso. Major European Art Movements 1900-1945. 1977: 338 y 339.
[3]Delevoy. Diario del simbolismo. 1979: 58-59; biografía de Klinger
204. Reprod. tres aguafuertes y aguatintas de serie Paráfrasis sobre el hallazgo
de un guante (1880-1881), en 58-59. / Gibson. Les symbolistes. 1984:
89-91, reprod. seis aguafuertes y aguatintas de la misma serie en 90-91.
[4]Lambert, Susan. El dibujo. Técnica y utilidad. Una introducción
a la percepción del dibujo. 1985
(1984 inglés): 13.
[5]<Fernand Khnopff>.
Bruselas. Musée Royale des Beaux-Arts (marzo-8 mayo 2004). Antológica de 260 obras: destaca Las caricias (1896),
conocida también como Arte o La esfinge. Reseña en “Lápiz”, v.
23, nº 202 (2004) 95. / Delevoy. Diario del simbolismo. 1979: 173-175,
203. / Gibson. Les symbolistes. 1984: 118-120.
[6]Delevoy. Diario del simbolismo. 1979: 204. / Gibson. Les symbolistes.
1984: 101-104, con 10 reproducciones de obras de Kubin, especialmente afines a
Miró las nº 176, L’oeuf (c. 1901), la mujer metamorfoseada en huevo, y nº
179, Danger (1901-1902), un monstruo de inmensas manos y cuello alargado.
OTRAS FUENTES.
El
artista suizo Arnold Böcklin (1827-1901) y su influencia en Joan Miró.*
La influencia del impresionismo en Miró: Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir, Sisley...
Hacia la renovación impresionista.
En el siglo XIX, tras el romanticismo (dominado por Delacroix) y el realismo (dominado por Courbet, Millet y Daumier), sigue una larga etapa conservadora, caracterizada por un academicismo ecléctico contrario a toda innovación.
La gran renovación de la pintura en la segunda mitad del siglo XIX es producto de la revolución impresionista. Sus orígenes están en la poética del realismo de Courbet, Daumier y Millet; en uso del grabado como documento social de Daumier y Doré; en el paisajismo de los inmediatos precedentes del impresionismo (se les puede llamar pre-impresionistas): Corot, la Escuela de Barbizon, Jongkind y Boudin, que tienen en común la pintura al aire libre, la pincelada cada vez más libre y el gusto por el color; en la influencia del arte oriental (mediante la difusión en Europa de la estampa japonesa); dos grandes avances científicos: uno, el tremendo éxito de la fotografía, que se presenta entonces como un arte propio, según la concepción pictorialista; otro, las leyes ópticas y los planteamientos teóricos de Chevreul; además, los aportes de un precursor, Manet, que abre la experimentación impresionista.
La aventura de los impresionistas chocará con el conservador gusto burgués de la III República francesa, que, como el del II Imperio, pedía un arte a su servicio y rechazaba el ideal de libertad total del artista que preconizaban los impresionistas. Pero en el fondo del espíritu burgués anidaba ese mismo ideal de libertad, de búsqueda de un camino propio para todos los individuos, de experimentación y lucha por encontrar el éxito (económico para la mayoría, artístico para los creadores). No en vano, prácticamente todos los pintores impresionistas serán hijos de burgueses (sean de las ciudades o de la Francia rural) y una continua aspiración de todos ellos (la excepción que confirma la regla será Pissarro) será alcanzar un estatus burgués acomodado. Así pues, el impresionismo nace en una situación de intransigente academicismo en el arte francés, dominado por los Salones y la Academia, opuestos a todo lo nuevo, y es un movimiento asociado a los Salones de los Independientes, única manera de exponer mientras se produce el cambio de las estructuras comerciales, esto es los críticos de arte, los marchantes y los nuevos coleccionistas.
Para el historiador de arte español Sureda los planteamientos pictóricos impresionistas no son trasladables a la escultura, pero la mayoría de los historiadores consideran que sí hay escultores impresionistas, destacando a Rodin. Igualmente, hay una música impresionista, la de Debussy, que construye sus obras a base de sonidos sueltos, como si fueran manchas sonoras. En cambio, no puede haber una arquitectura impresionista, porque la arquitectura es forma, no color.
Las características del impresionismo.
El impresionismo domina el arte del último cuarto del siglo XIX, con su cautivadora originalidad. Los impresionistas proponen un arte nuevo basado en la realidad cotidiana y aplican las teorías científicas sobre los colores. Su mayor aportación a la posteridad será la liberación del uso de los colores puros y brillantes, gracias a que el trabajo al plein air les conduce a investigar sobre el tiempo, la luz, el color de la naturaleza.
Se enfrenta con el academicismo, que ven como falso, y que se completa con el rechazo del romanticismo, que reconocen como sentimental. Rompe con el sistema tradicional de las artes, basado en la captación de la realidad por encima de la apariencia. El impresionismo supone un cambio esencial porque pretende precisamente captar la apariencia, no la realidad, es un estilo vinculado a la apariencia, deseoso de reflejar la temporalidad de los fenómenos. Recordemos que la velocidad es una dimensión de la civilización industrial, una velocidad que impide observar con precisión las cosas, por lo que parece que todo se desvanece. Los impresionistas quieren acentuar este carácter fugitivo de su entorno. Por otra parte, parecen reaccionar contra la vida urbana y procuran cultivar el paisaje, en una especie de huida del ruido de la ciudad y de la suciedad de las fábricas y los suburbios industriales.
Aunque otras artes —literatura, música, escultura— viven una etapa impresionista (según opina Fernández), será la pintura la más cultivada. Los pintores impresionistas sienten preferencia por los ríos y por la tierra húmeda de brumas. En todo momento su preocupación fundamental es el impacto de la luz. La primera exposición, en 1874 en la galería Nadar de París, provocó reacciones de burla. Un periodista escribió: “la negación de la belleza”. El nombre se tomó del cuadro Impresión de Monet, pero con un sentido peyorativo, de menosprecio.
Las preocupaciones del arte impresionista serían:
- La captación de lo efímero, tanto en paisajes, marinas o escenas de la vida cotidiana, con un sentido alegre y feliz de representar la apariencia de la realidad que es dable percibir, que es ajeno al compromiso social de los realistas, salvo el caso del izquierdista Pissarro.
- El impacto de la luz. Los objetos sólo se ven gracias a la luz que incide. Si el físico en el laboratorio puede descomponer un rayo de luz en colores, el pintor puede con los colores de su paleta tener la posibilidad contraria, de obtener efectos de luz mediante su combinación.
- La teoría de los colores. Siguiendo los descubrimientos de físicos ingleses y franceses (Chevreul), clasifican los colores en primarios (amarillo, rojo y azul) y complementarios (verde, violeta, naranja). Combinando los primeros obtienen los segundos. El pintor procura no mezclar los colores en la paleta, porque las mezclas las hará la pupila del espectador cuando vea el cuadro. El pintor impresionista puede hacerlo posible porque ya no necesita producir los colores in situ, en sus salidas al aire libre, como los pintores anteriores, sino que los compra estandarizados, producidos por las empresas de productos químicos de la Revolución Industrial. Los impresionistas preferirán estos colores básicos y rechazarán el negro, justo el preferido por Manet. Los impresionistas cultivan sobre todo la técnica de los colores puros, para representar la visión mediante los efectos de la luz y los contrastes del color. Monet escribió: “Cuando salgas a pintar, intenta olvidar que lo que tienes delante es un árbol, una casa, un campo o lo que sea. Simplemente piensa que estás viendo un cuadrado azul aquí, una franja rosa aquí, una raya amarilla aquí... y píntalo como lo estés viendo.”
- Las manchas. El color se aplica a base de manchas, pues el dibujo desaparece en la mayoría de los pintores. La pincelada normalmente es corta y a veces se reduce a un punto (puntillistas), aunque en otros casos es larga y llameante, como en las pinturas de Van Gogh. Monet en Otoño en Argenteuil utilizará ambos tipos.
- Las visiones sucesivas. La luz y el colorido de un paisaje cambian de la mañana a la tarde. La única manera de plasmar este cambio es pintar el tema diversas veces, variando sólo la intensidad de la luz. Monet pintó cinco veces la catedral de Rouen: al alba, al mediodía, por la tarde, al crepúsculo, en un día de viento y lluvia, demostrando en la variedad de colores que no hay un solo color, sino que este es cambiante con la luz.
Los artistas impresionistas.
Las ocho exposiciones de los impresionistas se suceden en París entre 1874 y 1886, y definen sus límites temporales menos discutidos.
Hay un precursor, Manet (1832-1883), que abre camino a la experimentación, aunque él no se consideraba impresionista, y podría citarse además a dos paisajistas preimpresionistas, el francés Boudin y el neerlandés Jongkind.
El paisaje netamente impresionista tiene tres figuras extraordinarias: Monet (1840-1926), Pissarro (1830-1903) y Sisley (1839-1899). Mientras, Caillebotte (1848-1894) se concentra en el paisaje urbano. Los independientes de toda norma interna serán Renoir (1849-1923) y Degas (1834-1917). Los impresionistas menores, como Cassatt, Morisot, Bazille y Guillaumin, siguen a sus maestros.
Desde el principio los impresionistas se dividieron en tendencias, a veces interconectadas en algunos miembros:
- Los que pintan los reflejos luminosos del agua, como Monet en Ninfeas, o en las piedras, como en su serie de La catedral.
- Los que pintan el temblor de la luz en la tierra, al infiltrarse entre los árboles, como Renoir en Le Moulin de la Galette, o Pissarro en sus vistas de pueblos en la campiña.
- Los que estudian a los seres humanos, como Renoir en Las bañistas y el más independiente Degas, que observa lo instantáneo con la luz pálida del teatro, que brilla en las faldillas vaporosas de las bailarinas. En verdad, puede discutirse que Degas sea impresionista porque prefiere valorar la forma, mientras que los demás valoran el color y la luz que disuelven la forma.
La influencia de los impresionistas sobre Miró.
La influencia de los
impresionistas en Miró parece ser sorprendentemente escasa, teniendo en cuenta
que eran grandes maestros del color y la luz, su amor por la naturaleza y el desenvuelto
inacabamiento de sus cuadros, pero le eran relativamente lejanos en tiempo y poética,
y sus aportaciones las filtraba a través de los posimpresionistas y especialmente
Cézanne, que habían integrado sus soluciones y superado sus limitaciones.
Sin embargo, apreciaba
lo que habían aportado. En una carta a Ràfols del 13 de septiembre de 1917 proclama
su admiración por el impresionismo, aunque sólo sirviera para pintar paisajes,
no el relampagueante mundo moderno:
‹‹Para mí, el arte
que vendrá, después del grandioso movimiento impresionista francés y de los liberadores
movimientos postimpresionistas, el cubismo, el futurismo, el fauvismo, tiende en
todos a emancipar la emoción del artista y a darle una absoluta libertad.
Creo que mañana no tendremos
ninguna escuela acabada en “ismo” y veremos una tela de una locomotora corriendo
pintada completamente opuesta a un paisaje hecho a las 12 del día. Al espíritu
libre cada cosa de la vida le producirá su diferente sensibilidad, y querremos
ver, tan sólo, a través de la tela, la vibración de un espíritu, vibración muy
heterogénea. Todas las modernas escuelas han levantado bandera; el impresionismo,
peindre n’importe
quoi, pintar la luz; el fauvismo sintetizar; el futurismo, el movimiento.
(…) Después de la contemporánea liberación de las artes veremos surgir artistas
sin ninguna bandera con las cuerdas de su espíritu vibrando en distintas músicas.
No hacemos impresionismo puestos a pintar una grandiosa street de Nueva York ni hacemos futurismo
puestos a pintar una mujer hermosa que esté ante nosotros. Que nuestro pincel marque
nuestras vibraciones.››[1]
En una carta a Ricart
hacia el 1 de octubre del mismo año remacha: ‹‹Com deia a n’en Ràfols en una carta,
crec que després d’un grandiós moviment impressionista francès, de cant a la
vida i d’optimisme, i dels moviments post-impressionistes, de les valenties
sense bollites, del sintetisme fauve, i de l’anàlisi i direcció del cubisme i futurisme,
després de tot això, veurem un Art lliure, en que l’interès serà en el grà de
la vibració de l’esperit productor.››[2]
Esto es, relaciona al
impresionismo con el paisaje, la luz, la vida, el optimismo… y le considera el
movimiento troncal de las vanguardias. No es poco. Pero asume que los jóvenes artistas
deben buscar caminos nuevos, y eso supone una ruptura con el pasado, aunque a
partir de su comprensión.
Sin duda la más
temprana fuente de la influencia impresionista en Miró fue el aprendizaje en la
Academia de Galí en 1912-1915 y más tarde pudo contemplar detenidamente la
amplia representación de impresionistas en la gran *<Exposition d’Art Français>
celebrada en Barcelona en 1917. Miró (1974) explica el gran impacto que le
produjo esta exposición, recordando la presencia de los impresionistas, sobre
todo de Monet, y cita también a Manet y Matisse, lamentando que no se compraran
sus obras para un museo de arte moderno.[3]Otra influencia sería su
amigo Masson, que amaba sobremanera la soltura de la pintura última de Monet, al
que incluso dedicará una monografía en 1952.
Con el tiempo,
empero se desligó del impresionismo, al que entendía como demasiado individualista,
y al respecto, Miró le comenta en 1951 a Charbonnier: ‹‹Se trata, por supuesto,
de un fenómeno puramente individualista. Es una pintura individualista, el
estado de ánimo individual del pintor.››[4]
En comparación a la notable influencia de las grandes figuras del impresionismo, nada significativo une a Miró con impresionistas menores como Frédéric Bazille (1841-1870), Mary Cassatt (1844-1926), Berthe Morisot (1841-1895) y Gustave Caillebotte (1848-1894), o con el escultor Auguste Rodin (1840-1917), más allá de que le interesara su posición capital en la historia del arte.
NOTAS.
[1]Carta de Miró a Ràfols. Mont-roig (13-IX-1917) BC. Reprod. Rowell. Joan Miró. Selected Writings and Interviews. 1986: 50-52. / Rowell. Joan Miró. Écrits et entretiens. 1995: 60-61. / Rowell. Joan Miró. Escritos y conversaciones. 2002: 86-87. / Soberanas; Fontbona. Miró. Cartes a J.F. Ràfols, 1917/1958. 1993: 19-20. / Cit. <Joan Miró 1893-1993>: 126. / Lax; Bordoy. Cronología, en AA.VV. Miró. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. 2005: 508, n. 56.
[2]Carta de Miró a Ricart. Barcelona (Lunes, s/f. Datada por contexto en 1-X-1917) BMB 452. Reprod.Rowell. Joan Miró. Selected Writings and Interviews. 1986: 52-53. / Rowell. Joan Miró. Écrits et entretiens. 1995: 61-63. / Rowell. Joan Miró. Escritos y conversaciones. 2002: 88-90. / Lax; Bordoy. Cronología, en AA.VV. Miró. Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. 2005: 509, n. 57.
[3]Miró, Joan. Miró parle. Entrevista concedida a Carles Santos y Pere Portabella en 1974, para film Miró un portrait. 2003: 11.
[4]Charbonnier, G. Entrevista radiofónica a Joan Miró, para Radio Nacional de Francia (1951). ed. Le Monologue du Peintre. Julliard. París (VII-1960). Reprod. “El País” Semanal nº 1.097 (5-X-1997) 138-142.
Las grandes creaciones del hombre. El romanticismo / El impresionismo. Documental. 61 minutos. El arte desde el neoclasicismo y el romanticismo aparecidos a finales del siglo XVIII.
Exposiciones.
<The Flag Paintings of Childe Hassam>. Washington. National Gallery of Art (8 mayo-17 julio 1988). Los Angeles County Museum of Art (21 agosto-30 octubre). Fort Worth. Amon Carter Museum (7 enero-12 marzo 1989). Nueva York. New York Historical Society (20 abril-25 junio). Retrospectiva de un pintor impresionista estadounidense. Cat. Texto de Fort, Ilene Susan. Ed. Los Angeles County Museum of Art. 1988. 128 pp.
*<Impressionnisme. Les origines 1859-1869>. París. Grand Palais (19 abril-8 agosto 1994). Cat. MNR. 476 pp.
*<Impresionistas. Maestros franceses de la Colección Clark>. Barcelona. Caixafòrum (16 noviembre 2011-febrero 2012). Renoir, Manet, Monet, Corot, Pissarro, Bonnard, Gauguin… Comisario: Richard Rand. Reseña de Montañés, J. A. Concentración impresionista en Caixafòrum. “El País” Cataluña (17-XI-2011) 5.
*<Impresionistas y postimpresionistas. El nacimiento del arte moderno. Obras maestras del Musée d’Orsay>. Madrid. Fundación Mapfre (2 febrero-5 mayo 2013). 70 obras. Comisarios: Pablo Giménez Burillo, Carline Mathieu. Morales, M.; Hermoso, B. Mapfre y Thyssen apuestan por un valor seguro en busca de público. “El País” (1-II-2013) 39. Corazón, Alberto. El antes y el después de la historia del arte. “El País” (1-II-2013) 38-39.
*<Impresionismo y aire libre. De Corot a Van Gogh>. Madrid. Museo Thyssen-Bornemisza (5 febrero-12 mayo 2013). 116 obras. Comisario: Juan Ángel López Manzanares. Morales, M.; Hermoso, B. Mapfre y Thyssen apuestan por un valor seguro en busca de público. “El País” (1-II-2013) 39. Corazón, Alberto. El antes y el después de la historia del arte. “El País” (1-II-2013) 38-39.
*<Impresionismo americano>, Madrid. Museo Thyssen-Bornemisza (4 noviembre 2014-1 febrero 2015). Impresionistas estadounidenses en París y Nueva York (desde 1886): Berthe Morisot, Mary Cassatt, John Singer Sargent, Theodore Robinson, John Leslie Breck, Childe Hassam, William Merritt Chase. Comisaria: Katherine Bourguignon. Reseña de García, Ángeles. Y el impresionismo cruzó el charco. “El País” (4-XI-2014) 38. / Maderuelo, Javier. El impresionismo sumiso. “El País” Babelia 1.203 (13-XII-2014) 18. Tilda de plagiadores a los pintores de la muestra, aunque reconoce que aprendieron bien las técnicas y los temas de los impresionistas franceses.
*<Impressionism. American Gardens on Canvas>. Nueva York. New York Botanical Garden (14 mayo-11 septiembre 2016). Exposición de jardines de impresionistas americanos. Mars, Amanda. Nueva York contrapone las flores reales con las pintadas. “El País” (19-VII-2016).
*<Impressionists in London. French Artists in Exile (1870-1904)>. Londres. Tate Gallery (2 noviembre 2017-7 mayo 2018). Un centenar de obras de Monet, Pissarro, Sisley y otros impresionistas en su estancia en Reino Unido. [http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/exhibition/ey-exhibition-impressionists-london] Reseña de Tubella, P. El exilio del impresionismo. “El País” (6-XI-2017).
*<Monet/Boudin>. Madrid. Museo Thyssen-Bornemisza (26 junio-30 septiembre 2018). Un centenar de obras. Comisario: Juan-Ángel López Manzanares. Reseña de Vozmediano, Elena. Monet y Boudin, reflejos artísticos y acuáticos. “El Cultural” (6-VII-2018). / Calvo Serraller, F. Trío de pintores al aire libre. “El País” (31-VII-2018). La relación entre tres grandes pintores paisajistas: el holandés J. B. Jongkind (1819-1891) y los franceses Eugène Boudin (1824-1898) y Claude Monet (1840-1926).
*<Impresionistas españoles>. Moscú. Museo del Impresionismo ruso (10 octubre 2019-26 enero 2020). 59 pinturas, esculturas y grabados de Casas, Rusiñol, Sorolla, Zuloaga… Comisario: Francesc Fontbona. Reseña de Sahuquillo, M. R. Cita de pintores impresionistas españoles en Moscú. “El País” (10-X-2019).
*<Los impresionistas y la fotografía>. Madrid. Museo Thyssen (15 octubre 2019-26 enero 2020). 66 pinturas y 150 fotografías. Comisaria: Paloma Alarcó. Reseña de García, Ángeles. Los impresionistas saldan su deuda con la fotografía. “El País” (14-X-2019).
*<París, 1874. Inventar el impresionismo>. París. Musée d’Orsay (26 marzo-14 julio 2024). 150º aniversario de la primera de las ocho exposiciones con presencia impresionista de 1874-1877, con unas 130 obras de 34 museos: Monet, Renoir, Degas, Morisot, Pissarro, Sisley, Cézanne... Washington. National Gallery (8 septiembre 2024-20 enero 2025). [https://www.musee-orsay.fr/es/agenda/exposiciones/paris-1874-inventar-el-impresionismo] Reseña de Vicente, Álex. Los parias que cambiaron la historia del arte. “El País” (14-IV-2024).
Libros.
AA.VV. Impressionist and Post-Impressionist Paintings from the USSR. National Gallery of Art. Washington, D.C. 1973. 120 pp, 41 ilus. Sirvió de catálogo de una exposición que recorrió los mejores museos norteamericanos en 1973. Tiene un gran interés por mostrar varias obras poco conocidas en Occidente de Braque, Cézanne, Derain, Gauguin, Leger, Matisse, Monet, Pissarro, Henri Rousseau, Sisley, Vlaminck y sobre todo de Picasso y Van Gogh, que influyeron en la vanguardia soviética.
Adler, Kathleen. Unknown Impressionists. Phaidon. Oxford. 1988. 128 pp.
Bernard, Bruce. La révolution impressioniste. Herscher. Paris. 1991 (1986). 270 pp.
Blunden, Maria. Diario del impresionismo. Skira. Ginebra. 1977.
Boix, Esther. Del arte Moderno I. La revolución del arte moderno. Del impresionismo al expresionismo. Polígrafa. Barcelona. 1987. 128 pp.
Borgogelli, A.; et al. Los impresionistas y los creadores de la pintura moderna. Degas - Cézanne - Monet - Renoir. Ed. Carroggio. Barcelona. 2000. 283 pp. Textos de Alessandra Borgogelli, Marisa Vescovo, Gérard-Georges Lemaire, Maria Teresa Benedetti. Degas (5-65), Cézanne (67-127), Monet (129-181), Renoir (183-243).
Callen, Anthea. Técnicas de los impresionistas. Hermann Blume. Madrid. 1983. 191 pp.
Daval, Jean-Luc. La pintura moderna. Del impresionismo al cubismo. Skira-Carroggio. Barcelona. 1982. 186 pp.
Denvir, Bernard. El impresionismo. Labor. Barcelona. 1975 (1974). 64 pp. más ilus.
Denvir, B. Historia del impresionismo. Los pintores y sus obras. Libsa. Madrid. 1992. 424 pp.
Denvir, B. Crónica del impresionismo. Destino. Barcelona. 1993. 288 pp.
Fénéon. Au-delà de l'impressionisme. Hermann. París. 1966. 188 pp.
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Artículos. Orden cronológico.
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Siegel, Harmon. Flesh and Fluff. “Artforum” (IV-2024) 106-115. El legado del impresionismo.
LOS ARTISTAS IMPRESIONISTAS. *Por orden alfabético.
El artista francés Gustave Caillebotte (1848-1894).
Gustave Caillebotte (1848-1894) es un pintor de escenas fluviales, de exaltación de la alegría de vivir. Para algunos sería un Maupassant de las artes plásticas. No hay constancia de que Miró conociera sus obras.
Gustave Caillebotte (1848-1894). Fuentes.
Exposiciones.
<Gustave Caillebotte. Pintor y jardinero>. Madrid. Museo Thyssen (19 julio-30 octubre 2016). 64 pinturas. Reseña de García, Ángeles. El Thyssen reivindica los jardines impresionistas de Gustave Caillebotte. “El País” (19-VII-2016).
Artículos.
Coignard, Jërôme. Caillebotte. Le blues des grands boulevards. “Beaux Arts”, 126 (IX-1994) 58-69. Muestra que su obra urbana no tenía afinidades con el mundo rural preferido por Miró.
La artista estadounidense Mary Cassatt (1844-1926).
Mary Cassatt (Pittsburgh, 1844-París, 1926), pintora impresionista afincada en París. No hay referencias a una influencia sobre Miró.
Ferrer, Isabel. El Museo Van Gogh se rinde al talento de Mary Cassatt. “El País” (15-I-2022). Adquiere tres grabados y una litografía de la artista Mary Casssatt (1844-1926), por 1,5 millones de euros. Las otras dos impresionistas eran Berthe Morisot y Marie Bracquemond.
El artista francés Edgar Degas (1834-1917).
Edgar Degas (París, 19-VII-1834 a 26-IX-1917). Pintor impresionista francés, aunque él se consideraba un independiente, ajeno al grupo impresionista.
Sus temas son bailarinas, interiores y escenas hípicas, que toma primero en dibujos y/o fotografías, para representarlos luego en su taller, con un estilo que se ha llamado “fotográfico”, porque le interesa captar el instante fugaz de un movimiento, con colores que van desde los terrosos a los más vivos, como en La clase de danza (1873-1875).
Será también un interesante escultor de figuras femeninas, llenas de fuerza, antecedentes de la obra de Giacometti.
Miró no realizó comentarios sobre Degas, pese a que tenía notables concomitancias estilísticas con sus propias obras de finales de los años 10: el “japonesismo”, el estudio de la luz, el colorido irreal de algunos fondos, los repetidos temas de los desnudos y las bailarinas, y la deformación simiesca de los rostros en los años 1870, que fue un significativo precedente de las grotescas deformaciones de Picasso y Miró en los años 1930.
<Edgar Degas. The Painter as Printmaker>. Boston. Museum of Fine Arts (14 noviembre 1984-13 enero 1985). Philadelphia Museum of Art (17 febrero-14 abril). Londres. Hayward Gallery (15 mayo-7 julio 1985). Cat. 272 pp.
<Degas scultore>. Florencia. Palazzo Strozzi (16 abril-15 junio 1986). Verona. Palazzo Forti (27 junio-7 septiembre). Cat. 236 pp.
<Degas>. París (1988). RMN. Textos de Sutherland, Jean; et al. pp.
<Degas. El proceso de creación>. Madrid. Fundación Mapfre (2008). 90 obras, incluyendo la serie completa de 73 esculturas. Comisario: Pablo Jiménez Burillo. Reseña de Ángeles García. Las inmortales bailarinas de Degas en tres dimensiones. “El País” (9-X-2008) 36.
*<Rembrandt. Degas>. Ámsterdam. Rijksmuseum (1 julio-24 octubre 2011). Art Clark Institute (noviembre 2011-enero 2012). Nueva York. MET (febrero 2012). Autorretratos. Comisaria: Jenny Reynaerts. Reseña de Ferrer, Isabel. Rembrandt y Degas, cara a cara. “El País” (4-VII-2011) 34.
<Degas>. Londres. Royal Academy (2011). Openheimer, Walter. El ‘paso a dos’ de Degas en la Royal Academy. “El País” (15-IX-2011) 40.
<Edgar Degas>. Nueva York. MoMA (2016).
<Drawn in color: Degas from the Burrell>. Londres. National Gallery (20 septiembre 2017-7 mayo 2018). 23 obras (la mayoría pasteles) de la colección William Burrell. Reseña de Díaz, Alba. Degas: los ojos bien abiertos. “El Mundo” (3-X-2017). [http://www.elmundo.es/cultura/2017/10/03/59d3401c268e3ed3578b4586.html]
*<Manet/Degas>. París. Museo de Orsay (28 marzo-23 julio 2023). Nueva York. Met (2023). 200 obras. Comisarios: Isolde Pludermacher y Stéphane Guégan. Reseña de Vicente, Álex. Manet y Degas, mejores enemigos. “El País” (26-VI-2023).
Libros.
Adhémar, Jean: Cachin, Françoise. Degas. The Complete Etchings, Lithographs and Monotypes. Thames & Hudson. Londres. 290 pp. 1984 (1983 francés).
Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, désignateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vs. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vs. Vol. 4, pp. 344-351.
Borgogelli, A.; et al. Los impresionistas y los creadores de la pintura moderna. Degas - Cézanne - Monet - Renoir. Ed. Carroggio. Barcelona. 2000. 283 pp. Textos de Alessandra Borgogelli, Marisa Vescovo, Gérard-Georges Lemaire, Maria Teresa Benedetti. Degas (5-65).
Degas, Edgar; et al. Degas inédit. Correspondencia. Junto a Actas del Coloquio Degas, Musée d’Orsay (18-21 abril 1988). 541 pp.
Guillaud, Maurice. Degas. Le modelé et l’espace. Marais-Guillaud. Paris. 1984.
Kantor-Gukovskaia, Asia. Edgar Degas. En los Museos de la URSS. Aurora. Leningrado. 1982. s/p.
Kendall, Richard (ed.). Degas por sí mismo. Dibujos, grabados, pinturas, escritos. Plaza & Janés. Barcelona. 1987. 328 pp.
Orienti, Sandra. Degas. Dolphin Art Book. Londres. 1968. 38 pp. más 79 ilus.
Roberts, Keith. Degas. Phaidon. Oxford. 1982.
Rubio, Salva (texto); Efa, Ricard (dibujos). Degas. La danza de la soledad. Norma Editorial. 2022. 116 pp.
Stuckey, Charles F. (ed.). Degas. Le modelé et l'espace. Marais-Guillaud Éditions. París. 1984. s/p.
Vollard, Ambroise. Degas. An Intimate Portrait. Dover. Nueva York. 1986 (1927). 93 pp.
Artículos.
Gozálvez, Patricia. Los ojos enfermos de Monet y Degas. “El País” (17-V-2007) 96.
Pancorbo, Alberto. Entre bambalinas: las esculturas ocultas de Degas. “Cuadernos del IVAM”, 16 (2011) 44-51.
Sampedro, J. Mujer oculta en un cuadro de Degas. “El País” (5-VIII-2016). Una nueva técnica descubre un dibujo bajo un cuadro.
Morales, M. Un ‘degas’ fue comprado por 926 euros en un portal de coleccionistas. “El País” (30-V-2024). Un experto certifica como auténtico ‘Elogio del maquillaje’ (1897), vendido hace tres años en la web Todocolección por el precio irrisorio de 926 euros. Ahora valdrá más de siete millones de euros.
El artista francés Édouard Manet (1832-1883), el precursor.
Édouard Manet (1832-1883) es considerado el “primer” impresionista, el inspirador de las primeras obras, pero por su espíritu, pues casi nunca usó la técnica impresionista. Admirador de la pintura española de Velázquez y Goya, trabajará con un colorido variado (amará por ejemplo el negro que rechazaban los impresionistas) muchos temas, siguiendo la pauta de deconstruir temas de la tradición pictórica (como las Venus yacentes de Ticiano o Giorgione, u obras de Velázquez y Goya), para representarlas de acuerdo a una manera pictórica contemporánea. Sus temas son usualmente urbanos, pues odiaba el campo.
Su obra más emblemática, admirada por los impresionistas, fue Desayuno sobre la hierba (1863), rechazada por la Academia para el Salón. Su tema provocador, pintado al aire libre, enlazaba muy bien con los intereses del grupo.
Otras obras extraordinarias son Concierto en los jardines de las Tullerias (o Música en las Tullerias, 1862), representación de una fiesta musical al aire libre; Olimpia (1863), con la provocadora representación de una desnuda prostituta yacente; y el Bar del Folies-Bergère (1881-1882), un asombroso ejercicio visual, pleno de simbolismos ocultos.
Manet. Olimpia (1863).
Manet. Bar del Folies-Bergère (1881-1882).
Édouard Manet (1832-1883), situado aquí en atención a su breve etapa impresionista, concita la atención de Miró, quien señala a Picon (1976) que Galí (hacia 1912-1915) lo mencionaba en sus enseñanzas y que vio obras suyas en la exposición de 1917.[1]Poco después, vuelve a mencionarlo elogiosamente a Amón (1978).[2]Probablemente, aunque la parquedad de sus comentarios no permite una certeza, le interesaba más al Miró de los años 10 su paleta austera y, un rasgo que destaca favorablemente Greenberg en los impresionistas, las pinceladas notorias, en las que la pintura es física y no un medio para engañar el ojo[3], así como la capacidad de transgredir la pintura convencional, el antiacademicismo, escogiendo temas antiguos en los que introducía lecturas de fuerte carga erótica, así como el ejemplo de la rebelión juvenil de Manet frente al padre que pretendía que se dedicará a la abogacía.
Una lejana afinidad se podría establecer entre el Retrato de Émile Zola (1868) de Manet[4], con los símbolos de la escritura sobre la mesa y la estampa japonesa de Utamaro colgada en la pared junto a Los Borrachos de Velázquez y la Olympia del propio Manet, y asimismo con los retratos con referencias simbólicas de sus oficios de los amigos de Miró de 1917-1918, especialmente el de Ricart de 1917, en los que el catalán aporta el irreal colorido fauve.
Su interés por Manet cambió sobremanera entre 1920 y 1928. En 1920, en una carta a Ràfols en marzo de 1920 apunta su admiración por tres obras de Manet, la primera El balcón, en la que supera a los “castellanos” (se entiende Goya y sus discípulos Alenza y Lucas Pradilla, que pintaron obras en las que se inspiró Manet para esta pintura), y además El flautista y Lola de Valencia, que son superiores a los modelos de los “gigantes” Goya y Velázquez que había usado respectivamente.[5] Pero ocho años después, en plena crisis del “asesinato de la pintura”, lanza este ataque en una declaración a Trabal:
‹‹Ahora que se habla tanto de Goya, solamente se ha sabido ver el exterior, sin ver en absoluto el aspecto revolucionario de su obra. No han sabido ver la pasión netamente antifrancesa de Goya. Los que han visto a Goya de esta manera falsa, son los que han visto sólo cosas exteriores toda la vida, como hizo el inexistente Manet, hombre de nulo valor, espíritu parisino y, por tanto, odiable para nosotros, catalanes.››[6]
Pero aún le influirá, aunque como reacción, en el Objeto poético (1936).
NOTAS.
[1]Picon. Joan Miró. Cuadernos catalanes. 1976: 22-23.
[2]Amón. Entrevista a Miró. “El País” (4-V-1978).
[3]Greenberg, cit. en p. 5-6 por Pool, en Pool, Phoebe (introd.); Orienti, Sandra (notas y cat.). The complete paintings of Manet. Harry N. Abrams. Nueva York. 1967. 128 pp.
[4]Manet. Retrato de Émile Zola (1868). Óleo sobre tela. Col. Musée d’Orsay, París. Reprod. Fernier; et al. Los Impresionistas y los creadores de la pintura moderna. Courbet - Moreau - Pissarro - Manet. 2000: 221.
[5]Carta de Miró a Ràfols. París (III-1920). Cit. Rowell. Joan Miró. Selected Writings and Interviews. 1986: 71. / Rowell. Joan Miró. Écrits et entretiens. 1995: 82-83. / Rowell. Joan Miró. Escritos y conversaciones. 2002: 118-119.
[6]Trabal, Francesc. Les Arts: Una conversa amb Joan Miró. “La Publicitat”, Barcelona, v. 50, nº 16932 (14-VII-1928) 4-5. Col. FPJM, v. I, p. 87-88. Cit. Rowell. Joan Miró. Selected Writings and Interviews. 1986: 98. / Rowell. Joan Miró. Écrits et entretiens. 1995: 110. / Rowell. Joan Miró. Escritos y conversaciones. 2002: 156.
<Manet 1832-1883>. París. Grand Palais (22 abril-1 agosto 1983). Nueva York. MET (10 septiembre-27 noviembre). Cat. 544 pp.
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<Manet>. Martigny. Fondation Giannadda (5 junio-13 noviembre 1996). Cat.
<Édouard Manet (grabados). Colección Valentine Dethomas de Zuloaga>. Bilbao. Museo de Bellas Artes (1998). González García, Á. El espejito negro, en Col. “Serie Minor”, nº 1: 9-32, reprod. en El resto. Una historia invisible del arte contemporáneo. Museo de Bellas Artes de Bilbao y Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. 2000: 70-83.
<Manet en el Prado>. Madrid. Museo del Prado (2004). 110 obras. Cat. Textos de Manuela B. Mena (comisaria y dir.); et al. 544 pp.
<Manet – Inventeur du moderne>. París. Musée d’Orsay (5 abril-3 julio 2011). Cat. Textos de Stépahen Guégan et al. 336 pp. 280 ilustraciones. Reseña de Schlesser, Thomas. Manet. Mais pourquoi le détstaient-ils? “Beaux Arts” 321 (IV-2011) 94-103.
<Manet>. Londres. Royal Academy (26 enero-14 abril 2013). Comisaria: Mary Ann Stevens. Reseña de García, Ángeles. Manet se retrata en Londres. “El País” (23-I-2013) 42.
*<Manet/Degas>. París. Museo de Orsay (28 marzo-23 julio 2023). Nueva York. Met (2023). 200 obras. Comisarios: Isolde Pludermacher y Stéphane Guégan. Reseña de Vicente, Álex. Manet y Degas, mejores enemigos. “El País” (26-VI-2023).
Libros.
Bataille, Georges. Manet. Presentación de Francisco Jarauta. Ed. Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos de Murcia. Murcia. 2003. 96 pp. Reseña de I.R. “El País” Babelia 637 (7-II-2004) 23.
Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, désignateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 9, pp. 137-140.
Daix, Pierre. La vida de pintor de Édouard Manet. Arcos Vergara. Barcelona. 1985 (1983 francés). 217 pp.
Fernier, J. J.; et al. Los Impresionistas y los creadores de la pintura moderna. Courbet - Moreau - Pissarro - Manet. Ed. Carroggio. Barcelona. 2000. 292 pp. Textos de Jean-Jacques Fernier, Geneviève Lacambre, Maria Teresa Benedetti, Gérard-Georges Lemaire. Manet (197-285).
Lévêque, Jean-Jacques. Manet. Siloé. París. 1983. 155 pp.
Manet, Julie. Journal 1893-1899. Scala. Paris. 1987. 200 pp.
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Richardson, John. Manet. Phaidon. Oxford. 1982. ? pp.
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Artículos.
García, Ángeles. El artista, la modelo y el nieto escritor. “El País” (11-V-2013) 43. Su nieto, Eduardo Manet, novela la historia de los amores de Manet y Eva González (1849-1883).
El artista francés Claude Monet (1840-1926).
Monet. Impresión, sol naciente (1872). La primera pintura a la que llamó impresionista.
Monet. Estanque de nenúfares.
Claude Monet (1840-1926) es un gran paisajista que busca el equilibrio de la composición, con atrevimiento pero sin carecer de solidez estructural, con colores vivos y brillantes que conjugan con los efectos de luz, la experimentación conlas pinceladas sueltas y planas casi plenamente abstractas de su vejez y la inspiración en temas sencillos surgidos del amor por la naturaleza —el Giverny de Monet, como el Lauves de Cëzanne, es el Mont-roig de Miró, amén de que el francés, entre otros pintores de paisajes, había estado
en Varengeville-sur-Mer, donde pintó Marea baja en Varengeville (1882, óleo
sobre tela, Col. Carmen Thyssen), en la que aparecen los famosos farallones
costeros que tanto gustaban a Miró—. Destacan sus series de vistas del ocio de la gente sencilla en el río Sena, de henares en el campo, de la fachada de la catedral de Ruán (Rouen), de estaciones de ferrocarril, de los estanques de nenúfares en su retiro final...
Por todo ello, Monet fue, entre los impresionistas, quien más despertó la admiración de Miró, como declara a Raillard (1977)[1]y luego más detalladamente a Picon (1976): ‹‹(...) El impacto mayor fue Monet: una simple puesta de sol. Sí, a continuación, en París, acusé un poco la influencia de la gente de la Section d’Or, del Esprit Nouveau, Ozenfant, Jeanneret, que despreciaban a los impresionistas y repetían que un cuadro de Monet era un trapo en que se habían secado los pinceles. Pero yo no lo pensé nunca. Nunca olvidé mi primera admiración y luego, liberado de la influencia de los cubistas, la recuperé totalmente. (...) si me hubieran llevado al Jeu de Paume, habría dicho lo decisiva que fue la fascinación por Monet...››[2]
Miró se refiere a las últimas obras de Monet, sus famosas vistas de nenúfares y ninfeas en el estanque de Giverny, que probablemente contempló en el amplio sótano de la Orangerie des Tulleries los Nenúfares, donde se instalaron en etapas a partir de 1922, e inaugurados en mayo de 1927 como un homenaje al pintor, que había fallecido el 6 de diciembre de 1926 y había recibido honores de Estado, pero significativamente no hizo comentario alguno en su correspondencia ni en sus recuerdos de esta época.
Debía estar entonces bajo el influjo del purismo y del surrealismo, que criticaban o ignoraban a Monet. El alejamiento de Miró no fue breve, puesto que en 1951 todavía declaraba a Santos Torroella, en un consejo a los jóvenes pintores: ‹‹Ante todo, que conserven el sentido racial español y que sean sinceros. Si necesitan mirarse en algo, ahí está nuestra gran pintura románica. ¿Qué tiene que ver con ella, con su intensidad y su pureza de intención artística, un Monet, por ejemplo?››[3]
Empero, ese rechazo de Miró no perduró, como hemos visto; en medio de las crisis de cambio en su estilo personal, se distanciaba de sus maestros pero años después volvía a elogiarlos. Además, el estilo aparentemente espontáneo de los Nenúfares, la “informalidad” de sus trazos, la irrealidad de sus colores, su simbolismo de un cosmos profundamente imbricado con el hombre, conectaba muy bien con el estilo mironiano desde su vuelta a la pintura en 1959.
NOTAS.
[1]Raillard. Conversaciones con Miró. 1993 (1977): 42.
[2]Picon. Joan Miró. Cuadernos catalanes. 1976: 22-23.
[3]Santos Torroella, R. Entrevista a Miró. Joan Miró en su estudio II. “Correo Literario”, Madrid (15-III-1951). Retitulado Pasaje del Crédito. Dos visitas II, en Santos Torroella, R. 35 años de Joan Miró. 1994: 13-15.
<Claude Monet (1840-1926)>. Madrid. MEAC (29 abril-30 junio 1986). Cat. 549 pp.
<Monet in the 90s. The Series Paintings>. Boston. Museum of Fine Arts (1989). Cat. Texto de Paul Hayes Tucker. 324 pp.
<Monet in Giverny>. Madrid. Fundación Juan March (1 octubre-22 diciembre 1991). Colección Museo Marmottan de París. Cat. 87 pp.
*<Monet y la abstracción>. Madrid. Fundación Thyssen-Bornemisza y Caja Madrid (19 febrero-2010). Obras de Monet, Gorky, Kooning, Pollock, Rothko, Tobey, Twombly... Comisaria: Paloma Alarcó. Reseñas de García, Ángeles. Reflejo de Monet en un espejo abstracto. “El País” (20-II-2010) 35. Calvo Serraller, F. Todos sus deudores (35).
<Monet, 1840-1926>. París. Grand Palais (hasta 26 enero 2011). Reseña de Berger, John. La vida que se esfuma. “El País” Babelia 991 (20-XI-2010) 18.
Libros.
Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, désignateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 9, pp. 748-752.
Borgogelli, A.; et al. Los impresionistas y los creadores de la pintura moderna. Degas - Cézanne - Monet - Renoir. Ed. Carroggio. Barcelona. 2000. 283 pp. Textos de Alessandra Borgogelli, Marisa Vescovo, Gñerard-Georges Lemaire, Maria Teresa Benedetti. Monet (129-181).
Gordon, Robert; Forge, Andrew. Monet. Flammarion. Paris. 1984. 304 pp. / Hoog, Michael. Les Nymphéas de Claude Monet au Musée de l’Orangerie. RMN. París. 1984. 121 pp.
Hoog, Michael. Les Nymphéas de Claude Monet au Musée de l'Orangerie. RMN. París. 1984. 121 pp.
House, John. Monet. Ars Mundi. Paris. 1987. 31 pp. 48 obras comentadas.
Joyes, Claire.Los Cuadernos de Cocina de Monet. Plaza & Janés. Barcelona. 1990. 190 pp.
Murphy, Alexandra; et al. Monet in the Museum of Fine Arts Boston. 1985 (1977). 57 pp.
Piguet, Philippe. Monet et Venise. Herscher. Paris. 1986. 125 pp.
Sproccati, Sandro. Monet. Gredos. Madrid.
Tucker, Paul Hayes. Monet at Argenteuil. Yale University Press. New Haven. 1982. 211 pp.
Artículos.
Gozálvez, Patricia. Los ojos enfermos de Monet y Degas. “El País” (17-V-2007) 96.
Elola, Joseba. 7,35, hora impresionista. “El País” Babelia 1.200 (22-XI-2014) 16-17. Un equipo de historiadores de arte franceses y astrofísicos de Texas data el instante en que Monet pintó Impresión, sol naciente, la obra que dio nombre al movimiento.
La artista francesa Berthe Morisot (1841-1895).
Berthe Morisot (Bourges, 1841-1895), pintora francesa, mayormente de paisajes, pero también trató los retratos, las escenas familiares y los interiores, con un colorido vibrante. La única mención de Miró a esta artista es que vio su obra, recién llegado a París, en una carta a Ràfols, en Barcelona. París (2-III-1920) BC. [Soberanas; Fontbona. Miró. Cartes a J.F. Ràfols, 1917/1958. 1993: 37.]
Fuentes. Morisot.
Exposiciones.
<Berthe Morisot. La pintora impresionista>. Madrid. Museo Thysen-Bornemisza (15 noviembre 2011-12 febrero 2012). Comisaria: Paloma Alarcó. Reseña de Pozuelo, Abel H. El impresionismo de Berthe Morisot. “El Cultural” (25-XI-2011) 29.
Rey, Jean-Dominique. Berthe Morisot. La belle peintre. Flammarion. París. 2002. 159 pp.
El artista francés Camille Pissarro (1830-1903).
Pissarro. Mujer en cercado.
Camille Pissarro (Saint-Thomas, Antillas francesas, 10-VII-1830-París, 13-XI-1903). Pintor impresionista francés, destacable como paisajista. Muy comprometido con la izquierda, su obra presenta a menudo temas con cierta crítica social, con personajes populares del campo, y vistas de pueblos y huertas. Tuvo una época de experimentación puntillista en su pintura mediante puntos de colores puros.
Su influencia y la de otros impresionistas puede explicar afinidades con el estilo de Miró hacia 1915-1919, como el “japonesismo”, la paleta clara, el tupido puntillismo de los neoimpresionistas de 1885-1890, la composición ordenada en franjas horizontales mediante la luz, y los temas recurrentes de la naturaleza y el mundo campesino. Miró no hace comentarios sobre Pissarro.
<Pissarro>. Londres. Hayward Gallery (30 octubre 1980-11 enero 1981). París. Grand Palais (30 enero-27 abril 1981). Boston. Museum of Fine Arts (19 mayo-9 agosto 1981). Cat. Textos de John Rewald; et al. 264 pp. Eds. francés, inglés.
<Pissarro>. Madrid. Museo Thyssen-Bornemisza (4 junio-15 septiembre 2013). Barcelona. CaixaForum (2013). 79 obras. Comisarios: Guillermo Solana, Paula Luengo. Reseña de García, Ángeles; Seisdedos, Iker.Pissarro, primera gran cita con España. “El País” (3-VI-2013) 37. Maderuelo, Javier.Los valores del paisaje. “El País” Babelia 1.128 (6-VII-2013) 16.
<Pissarro>. Madrid. Museo Thyssen-Bornemisza (4 junio-15 septiembre 2013). Barcelona. CaixaForum (2013). 79 obras. Comisarios: Guillermo Solana, Paula Luengo. Reseña de García, Ángeles; Seisdedos, Iker. Pissarro, primera gran cita con España. “El País” (3-VI-2013) 37. Maderuelo, Javier. Los valores del paisaje. “El País” Babelia 1.128 (6-VII-2013) 16.
Libros.
Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, désignateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 11, pp. 27-30.
Brettell, Richard R. Pissarro and Pontoise. Yale University Press. New Haven. 1990. 227 pp.
Cogniat, Raymond. Pissarro. Flammarion. Paris. 1978. 96 pp.
Fernier, J.J.; et al. Los Impresionistas y los creadores de la pintura moderna. Courbet - Moreau - Pissarro - Manet. Ed. Carroggio. Barcelona. 2000. 292 pp. Textos de Jean-Jacques Fernier, Geneviève Lacambre, Maria Teresa Benedetti, Gérard-Georges Lemaire. Pissarro (135-195).
Pissarro, Camille. Cartas a Lucien. Muchnik. Barcelona. 1979 (1950 francés). 421 pp.
Artículos.
House, John. Anarchist or Esthete? Pissarro in the City. “Art in America”, 11 (XI-1993) 80-89, 141.
El artista francés Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).
Renoir. Baile en el Moulin de la Galette (1876).
Renoir. El almuerzo de los remeros (1881). A menudo se traduce como El almuerzo de los barqueros.
Pierre-Auguste Renoir (Limoges, 25-II-1841-Cannes-sur-Mer, 3-XII-1919). Pintor impresionista francés, pronto muestra un estilo independiente en su representación de escenas urbanas, normalmente de la alegre vida cotidiana de las clases medias y populares de París, como el Baile del Moulin de la Galette (1876), pleno de dominio de la luz, en la fiesta deEl almuerzo de los barqueros(1881),o en sus estudios de anatomía deLas bañistas(1884-1887).
El impresionismo solo ocupó unos 10 de los 50 años de actividad de Renoir, quien, aunque mantuvo características impresionistas como el trazo espontáneo o la temática, a partir de 1880 se decantó por una incorporación ecléctica del clasicismo de Rafael, Ingres o Corot, o la experimentación de los cuerpos manieristas de Miguel Ángel o el colorido de Delacroix.
Renoir fue, en comparación, una influencia menor sobre Miró. Le hace una breve
referencia en una carta a Ferrà (25-VII-1918), comentando que había contemplado
una obra, Moulin, en la exposición de 1917. Falleció en 1919, pocos
meses antes de la llegada de Miró a París, que pudo asistir en 1920 a las antológicas, y
leer las críticas en la prensa, en la Galerie Durand-Ruel y en la sala especial
del Salon d’Automne, y conocer algunas de sus últimas obras, como la
neoclasicista Las bañistas (1918-1919), con su construcción naturalista
moderna del cuerpo (distorsionado como Miguel Ángel o algunos desnudos de Miró) y del paisaje
(un retorno al clasicismo).
Renoir le atraería en especial por este estilo
postrero, caracterizado por la composición libre, el uso romántico del color como
instrumento de estructuración del cuadro (al modo de Delacroix), y el decorativismo que tan bien
encajaba en su propia concepción más amable de la pintura. Muchos años después,
volverá a citar su admiración por Renoir a Picon (1976).[1]Una influencia específica
pero poco probable de Renoir podría ser su pintura Mujer con loro (1874, col. Guggenheim Museum), un tema muy usual en
el siglo XIX, como vemos en Manet.
NOTAS.
[1]Picon. Joan Miró. Cuadernos catalanes. 1976: 22-23.
Renoir (2012). Dirección: Gilles Bourdos. La vida del pintor Pierre Auguste Renoir en sus últimos años, junto a su hijo, el cineasta Jean Renoir, y su común admiración por la modelo Andrée.
Exposiciones.
<Renoir>. Londres. Hayward Gallery (30 enero-21 abril 1985). París. Galeries Nationales du Grand Palais (14 mayo-2 septiembre). Boston. Museum of Fine Arts (9 octubre 1985-5 enero 1986). Cat. 324 pp. Ediciones en francés e inglés.
<Pasión por Renoir>. Madrid. Museo del Prado (19 octubre 2010-6 febrero 2011). Reseña de Trapiello, Andrés. Todos los colores de Renoir. “El País” (19-X-2010) 37. / Martín Garzo, G. Renoir en el Museo del Prado. “El País” (28-XI-2010) 33. Un modelo de artículo-resumen sobre un artista.
<Renoir: Intimidad>. Madrid. Museo Thyssen-Bornemisza (18 octubre 2016-22 enero 2017). Bilbao. Museo de Bellas Artes (7 febrero-15 mayo 2017). 76 obras. Comisarios: Guillermo Solana. Reseña de García, Ángeles. Renoir replica con su gozo al desprecio intelectual. “El País” (18-X-2016). / Llorens, Tomàs. Picasso, Renoir y la vulgaridad. “El País” (3-XII-2016). Picasso se interesó pronto por la obra tardía de Renoir, caracterizada por su interés por la vulgaridad (en el sentido de lo simple, lo cotidiano, lo popular) y la intimidad, y le inspiró hasta el final de su vida, pues ambas pulsiones son propias de lo mejor de la creación artística en todo tiempo.
Libros.
Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, désignateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 11, pp. 581-587.
Borgogelli, A.; et al. Los impresionistas y los creadores de la pintura moderna. Degas - Cézanne - Monet - Renoir. Ed. Carroggio. Barcelona. 2000. 283 pp. Textos de Alessandra Borgogelli, Marisa Vescovo, Gérard-Georges Lemaire, Maria Teresa Benedetti. Renoir (183-243).
Gaunt, W. Renoir. Phaidon. Oxford. 1982. 31 pp. más 96 pp. de ilus.
White, B.E. Renoir. Flammarion. Paris. 1985. 311 pp.
El escultor francés Auguste Rodin (1840-1917).
El escultor Auguste Rodin (1840-1917) será su máximo representante. De enorme fama ya en vida, es el autor deEl pensador (1880). El beso (1882-1889) o Los burgueses de Calais (1884-1886), donde multiplica los ángulos de sus figuras y alisa la superficie, como si la luz resbalase sobre la piel ondulante, creando audaces claroscuros. La mayoría de sus esculturas son de bronce y parece que no estén acabadas. Es el ojo del espectador el que les ha de dar forma, siempre temblorosa. La influencia de los volúmenes de Miguel Ángel es evidente, con su tensión interior, su corporeidad, su psicología...
Rodin. El pensador (1880).
Rodin. El beso (1882-1889).
Rodin. Los burgueses de Calais (1884-1886).
Fuentes. Rodin.
Películas.
Rodin (2018), de Jacques Doillon. Intérpretes: Vincent Lindon, Izia Higelin. La vida de Rodin en un decenio, entre ‘Las Puertas del Infierno’ y ‘Balzac’. Reseña de Costa, Jordi. El tormento y el éxtasis. “El País” (24-VIII-2018).
*<Sculptures du XX siècle. De Rodin à Tinguely>. Ginebra. RATH -Musée d'art et d'histoire- (5 julio-30 septiembre 1984). Cat. Col. del museo. 125 pp.
<Rodin>. París. Musée Rodin (7 enero-18 marzo 2007). 145 obras. Reseña de Martí, Octavi. Auguste Rodin, impúdico investigador del sexo femenino. “El País” (7-I-2007) 45.
<Rodin>. Madrid. Fundación Mapfre (14 mayo 2008). Reseña de Ángeles García. La revolución erótica de Auguste Rodin. “El País” (13-V-2008) 42.
<Rodin. Figuras de sombras>. Madrid. Academia de Bellas Artes de San Fernando (14 septiembre-11 noviembre 2012). 140 grabados del Album Fenaille, inspirado en el Infierno de Dante. Reseña de Hermoso, Borja. Auguste Rodin baja a los infiernos. “El País” (15-IX-2012) 35.
<Rodin. El Infierno>. Barcelona. Fundación Mapfre (11 octubre 2017-enero 2018). 150 piezas preparatorias o relacionadas de la Puerta del Infierno, de la colección del Museo Rodin de París. Reseña de Montañés, J. Á. Para entrar al infierno hay que pasar por Barcelona. “El País” (11-X-2017).
*<Rodin and the art of ancient Greece>. Londres. British Museum (26 abril-29 julio 2018). La comparación entre las obras de Rodin y las de Fidias.
*<Rodin-Giacometti>. Madrid. Fundación Mapfre (6 febrero-10 mayo 2020). 200 obras. Comisario: Hugo Daniel. [https://es.euronews.com/2020/02/05/cruce-de-caminos-entre-rodin-y-giacometti] Vicent, Manuel. Dibujos y esculturas de amor vulnerado. “El País” (15-II-2020). La relación entre Auguste Rodin y Camille Claudel, al socaire de una exposición del primero en la Fundación Mapfre.
Libros.
Descharnes, Robert; Chabrun, Jean-François. Auguste Rodin. Vilo. Paris. 1967.
Krauss, Rosalind. Passages. Une histoire de la sculpture de Rodin à Smithson. Macula. París. 1997. 320 pp. 220 ilus.
Pinet, Helène. Rodin sculpteur & Les photographs de son temps. Sers. Paris. 1985.
Artículos.
Vicente, Álex. Rodin recupera su esplendor. “El País” (13-XI-2015) 37. Reabre el Museo Rodin, con 600 obras expuestas, el doble que antes.
El artista británico Alfred Sisley (1839-1899).
Sisley. Inundación en Port-Marly (1876).
Alfred Sisley (1839-1899) es el más destacado de los impresionistas británicos. Un gran paisajista, el más sereno, frío y objetivo, atento a los alrededores de París. Fue uno de los pocos artistas de los que las instituciones catalanas adquirieron una obra en la exposición *<Art francès> (1917)[1]; se trata de El tombant del Loing (también titulada A Saint-Mammès. Sol de juny, 1892, MNAC), una vista de un río, con una clara delimitación geométrica de los ámbitos y una rica gama de tonalidades fundidas con la luz, y durante muchos años sería una de las pocas obras impresionistas que los jóvenes pintores catalanes, como Miró, pudieron contemplar asiduamente, aunque le parecería tal vez demasiado armonioso y decorativo.[2]
NOTAS.
[1]Raillard. Conversaciones con Miró. 1993 (1977): 25.
[2]En marzo de 1920, inmediatamente después de su llegada a París, Miró ya le escribe a Ràfols que ha podido ver la obra de Sisley y Morisot en la calle, en referencia a que estaría en un escaparate, y que escoja a estos dos artistas como ejemplos indica que les tenía estima. [Carta de Miró a Ràfols, en Barcelona. París (2-III-1920) BC. Cit. Soberanas; Fontbona. Miró. Cartes a J.F. Ràfols, 1917/1958. 1993: 37.
Fuentes. Sisley.
Exposiciones.
<Alfred Sisley. Poeta del impresionismo>. Ferrara. Palazzo dei Diamanti (17 febrero-19 mayo 2002). Madrid. Museo Thyssen-Bornemisza (8 junio-15 septiembre 2002). <Alfred Sisley. Poète de l’impressionisme>. Lyón. Musée des Beaux Arts (9 octubre 2002-6 enero 2003). Cat. Textos de comisarias: Mary Anne Stevens, Ann Dumas; et al. 470 pp. Ed. francés de 416 pp.
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