El artista estadounidense Jackson Pollock (1912-1956) y su relación con Joan Miró.

El artista estadounidense Jackson Pollock (1912-1956) y su relación con Joan Miró.

Pollock y su esposa, la artista Lee Krasner.

Jackson Pollock (Cody, Wyoming, 28-I-1912-East Hampton, Long Island, 11-VIII-1956). Pintor norteamericano, uno de los principales artistas del expresionismo abstracto. Su vida estuvo marcada por la extremada pobreza en la juventud, el alcoholismo, los fracasos emocionales, el triunfo crítico y comercial en su madurez y a final su trágica muerte en un accidente de automóvil.

Se formó en arte primero en California y 1931-1933 estudió pintura y escultura en la Art Students League de Nueva York. Desde sus inicios figurativos evolucionó en los años 40 a la abstracción gracias a su aprendizaje del surrealismo, en el que admiró a Miró —su influencia es perceptible en dibujos de 1939-1942, como Sin título (c. 1939-1942) [*<Les Surréalistes en exil et les débuts de l’École de New York>. Estrasburgo. Musée de Strasbourg (2000): 52.]—, Ernst y Matta; el muralismo mexicano, en el que mantuvo relación con Rivera y Siqueiros; el arte indígena americano, de quien tomó técnicas pictóricas; y el simbolismo psicoanalítico de Jung, que le suministró asuntos para su creación.

En 1943 celebró una primera exposición individual en la Art of the Century de Peggy Guggenheim en Nueva York. Apoyado por el crítico Clement Greenberg y los galeristas neoyorquinos Betty Parsons (1946-1951) y Sidney Janis (desde 1952), se convirtió en los años posteriores en el más célebre artista norteamericano, con importantes exposiciones en EE UU y Europa.

Miró probablemente conoció su obra en la exposición *<Véhémences confrontées> en la parisina Galerie du Dragon (marzo 1951). Asistió seguro a una individual en París en 1952, que le impresionó profundamente e influyó en su propio estilo espontáneo desde 1959.

Pollock maduró en 1947-1953 las innovaciones formales del dripping (goteo), la técnica all-over (con un tratamiento homogéneo para toda la superficie) y la salpicadura sobre telas fijadas al suelo o la pared, con instrumentos como paletas o cuchillos, para elaborar un arte de poderosa gestualidad, progresivamente más libre y monumental. Convertía el azar en necesidad y pintaba el conflicto entre el orden y el caos, la causa y el azar, la estructura y la improvisación. Su prematura muerte le llegó cuando estaba volviendo a una abstracción con más ecos figurativos.

Fuentes.

Internet.

[https://es.wikipedia.org/wiki/Jackson_Pollock]

Documentales.

Vídeo documental de 22 minutos. [https://www.youtube.com/watch?v=J1Z2bXWBiYc] 

Exposiciones.

*<Les Surréalistes en exil et les débuts de l’École de New York>. Estrasburgo. Musée de Strasbourg (2000): 76, biografía en 329-330; sobre su admiración por Miró destaca M.L. Borràs. Joan Miró et Guernica sur le continent américain.

<Jackson Pollock: Drawing into Painting>. Nueva York. MOMA (1980). Cat. Texto de Bernice Rose. 96 pp.

<Jackson Pollock>. París. MNAM (21 enero-19 abril 1982). Cat. 420 pp.

<Jackson Pollock. Opere 1930-1956>. Roma. Palazzo Venezia (1983). Cat. 107 pp.

<Jackson Pollock. Black Enamel Paintings>. Nueva York. Gagosian Gallery (abril.mayo 1990). 26 obras. Cat. Texto de Ben Heller (9-27). 89 pp.

<Jackson Pollock>. Nueva York. MOMA (1 noviembre 1998-2 febrero 1999). Londres. Tate Gallery (11 marzo-6 junio 1999). Cat. Textos de Kirk Varnedoe, Comet: Jackson Pollock’s Ligfe and Work (15-85), y Pepe Karmel, Pollock at Work: The Films and Photographs of Hans Namuth (87-137), cronología de Elizabeth Levine y Anna Lynch (315-328).

*<Expresionismo Abstracto: Obra sobre papel (Colección del Metropolitan Museum of Art, de Nueva York>. Madrid. Fundación Juan March (2000) 92-103.

<Pollock>. Venecia. Museo Guggenheim (4 junio-18 septiembre 2005). 55 dibujos sobre papel (1935-1952). Comisaria: Susan Davidson.

*<¡Explosión! El legado de Jackson Pollock>. Barcelona. FJM (24 octubre 2012-24 febrero 2013). 49 obras de Pollock, Allan Kaprow, Yves Klein, Rauschenberg, Saint Phalle, Shozo Shimamoto, Jean Tinguely, Andy Warhol... Organizada por Moderna Museet de Estocolmo. Comisario: Magnus af Petersens. Reseña de Bosco, Roberta. Creación y destrucción. “El País” Cataluña (23-X-2012) 5. / Vidal Oliveras, Jaume. ¿Es tan solo un manojo de pelos sujeto a un mango? “El Cultural” (26-X-2012) 26-27. Critica la selección de alguna obra, como Artist (1989), de Tracey Moffat y Gary Hillberg, un slapstick (bufonada) que no encaja en el conjunto porque lo trivializa.

<Pollock: Mural>. Málaga. Museo Picasso (20 abril-11 septiembre 2016). Elola, Joseba. Picasso recibe a Pollock en su casa. “El País” (17-IV-2016). Expone el legendario Mural (1943) (250 x 600) de Pollock, un encargo de Peggy Guggenheim para su apartamento neoyorquino.

<The Figurative Pollock>. Basilea. Kunstmuseum (2 octubre 2016-22 enero 2017). Comisaria: Nina Zimmer. La obra figurativa antes de la abstracción. [http://www.kunstmuseumbasel.ch/en/exhibitions/current/the-figurative-pollock/] Reseña de Vicente, Álex. Paisaje con monstruos de Jackson Pollock. “El País” (29-XII-2016).

Libros.

Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, designateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 11, pp. 110-112.

Foster; Krauss; Bois; Buchloh. Arte desde 1900. 2006 (2004): 355-359.

Frank, Elizabeth. Jackson Pollock. Abbeville Press. Nueva York. 1983. 128 pp.

Frascina, Francis (ed.). Pollock and after. The critical debate. Harper Row. Londres. 1985. 266 pp.

Hughes, Robert. Visiones de América: La historia épica del arte norteamericano. 2001: 494-500.

Landau, Ellen G. Jackson Pollock. Thames & Hudson. Londres. 1989. 283 pp.

Leja. Reframing Abstract Expressionism. Subjectivity and Painting in the 1940s. 1993: Jackson Pollock & The Unconscious (121-202), Pollock & Metaphor (275-327).

Naifeh, Steven; Smith, Gregory White. Jackson Pollock. An American Saga. Barrie & Jenkins. Nueva York. 1990 (registrado 1989). Pimlico. Londres. 1992. 934 pp. 801 pp. de texto principal, bibliografía (804-806), notas (807-904), índice (907-934). Trad. Jackson Pollock. Una saga estadounidense. Circe. Barcelona. 1991. 725 pp. español; 934 en francés (1999). La biografía de referencia.

Artículos.

Chastel, André. Pollock et ses frêres. “Le Monde” (17-I-1959).

Damish, Hubert. L’écran Pollock. “Les Cahiers du MNAM” (invierno 2005-2006) 72-87. La imagen de Pollock en las fotografías de Namuth, el film Pollock…

O’Connor, Francis. The Genesis of Jackson Pollock, 1912 to 1943. “Artforum” (V-1967) 16-23.

Rowell, Margit. Entrevista a Steven Naifeh. Jackson Pollock. “Art Press”, 251 (XI-1999) 48-54.

Torres, David G. Los errores de Jackson Pollock. La verdad está ahí fuera. “Lápiz”, 130 (III-1997) 48-55.

Gómez Urzaiz, Begoña. El pastel de Jackson Pollock. “El País” (2-V-2015) 45. La faceta íntima del artista como cocinero.

El artista franco-ruso Serge Poliakoff (1900-1969) y su relación con Joan Miró.

El artista franco-ruso Serge Poliakoff (1900-1969) y su relación con Joan Miró.

Serge Poliakoff (Moscú, 8-I-1900-París, 12-X-1969). Pintor ruso, nacionalizado francés en 1962. Exiliado con la Revolución rusa, se gana la vida como guitarrista (vivió de este oficio hasta 1952) en varias ciudades europeas y llega en 1923 a París, donde comienza a estudiar pintura en 1929 y participa en su primera muestra colectiva en 1930. De 1935 a 1937 estudia en la Slade School of Art de Londres.

En 1937 vuelve a París y conoce a Kandinsky, decantándose por la abstracción poco a poco desde 1938 y definitivamente desde 1945. Conoce asimismo a la mayoría de los vanguardistas europeos, como Robert Delaunay y Miró, de los que toma diversos rasgos, como el interés por los campos de color mironianos, la violencia de los contrastes, con asimetrías en la composición.

Comienza a exponer en la posguerra y será uno de los grandes representantes del informalismo europeo, con colores planos y formas vagamente geométricas, inspiradas a veces en Malevich, como en Composition (1952).

Fuentes.

Internet.

[https://es.wikipedia.org/wiki/Serge_Poliakoff]

Exposiciones.

*<Un musée éphémère. Collections privées françaises 1945-1985>. Saint-Paul-de-Vence. Fondation Maeght (octubre 1986): 110-111.

<Serge Poliakoff>. Martigny. Fondation Gianadda (1986). Cat. 95 pp.

<Serge Poliakoff. Retrospectiva 1935-1969>. Bilbao. Fundación BBK (20 agosto-30 septiembre 2003). Primera antológica en España. Cat. Textos de Alexis Poliakoff, Martine Soria y Gñerard Durozoi, Gñerard. 247 pp.

<Serge Poliakoff. Una aventura cromática: los gouaches 1930-1069)>. Sabadell. Saló Modernista de Caixa Sabadell (31 diciembre 2007-22 febrero 2008). 70 obras. Comisario: Nicolás Morales. Reseña de Marimón, Silvia. Caixa Sabadell expone la obra del ruso Serge Poliakoff. “El País” Cataluña (31-XII-2007) 8.

Libros.

Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, designateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 11, pp. 99-102.

Durozoi, Gñerard. Poliakoff. L’autre Musée. París. 1984. 79 pp.

El galerista español Josep Pinya (1935) y su relación con Joan Miró.

El galerista español Josep Pinya (1935) y su relación con Joan Miró.

Josep Pinya.

Josep Pinya i Bonnín (Palma de Mallorca, 25-XII-1935). Galerista mallorquín. Su formación fue muy completa y variada. En el Bachillerato fue alumno de dibujo de Erwin Hubert y ‘Xam’. Su padre era músico de la sinfónica de Palma. En su juventud pasó un año en Londres, y un año y medio en París. Fue un aceptable pintor, para más tarde destacar en los negocios, al calor de la expansión turística de la isla en los años 60 y, de hecho, fueron estos negocios los que sostuvieron su galería durante muchos años.

La Sala Pelaires (hoy Galería Pelaires) abrió el 8 de agosto de 1969, con tres promotores, el director Josep Pinya, su esposa Niní Quetglas, que fue un elemento clave durante años, hasta la separación del matrimonio, y su amigo Florencio Subías, que sólo aguantó seis meses antes de abandonar. 

Su amistad con Joan Miró fue fundamental en el despegue de la Sala Pelaires desde 1969, porque le facilitó sus contactos nacionales e internacionales, como el mejor puente entre el arte de vanguardia y Mallorca, uno de sus grandes deseos, como demuestra que también Miró colaborase con otra galería palmesana emblemática, la 4 Gats de Ferran Cano a partir de 1973. 

Miró visitó el 21 de agosto de 1969 la exposición inaugural, como Pinya recordaba: ‹‹A los pocos días de la inauguración pasó por la sala Joan Miró, caja de lápices en mano, y se interesó mucho por la galería. La ayuda de Miró fue definitiva para nosotros, pues era un personaje que apoyaba fervientemente las vanguardias artísticas, que en aquellos momentos no tenían lugar en Palma. Nos pidió para que después expusiesen unos artistas amigos suyos, y claro, nosotros aceptamos encantados.››[1]

Los modelos de Pinya eran las galerías de Barcelona: la Sala Gaspar era el primer ejemplo (Pinya tuvo una estrecha relación comercial con ella), y en los años 70 con las nuevas salas barcelonesas como Aquitània, Ciento, Maeght, Vinçon o G. Las dos grandes galerías ibicencas, Ivan Spence y Carl von der Voort, también entraron en este círculo comercial artístico, así como la Galería Juana Mordó de Madrid y otras, sobre todo de los núcleos de Zaragoza y Valencia.

Las primeras exposiciones eran costosas pero invendibles: Picasso, Miró, Tàpies, Saura, Clavé, Guinovart, Hernández Mompó, Mensa, Motherwell, Noland, Sassu... Pinya propició la recuperación de artistas mallorquines maduros, como Juli Ramis (1971) y la consolidación de valores nuevos como Mateu Bauzà, Joan Bennàssar, Ramon Canet, Josep Canyelles, Maria Carbonero, Menéndez Rojas, Ritch Miller, Sebastià Ramis, Joan Riutort Serra, Josep Maria Sirvent, Antoni Socias...

Pinya escribió sobre aquel período: ‹‹(...) D’aquests que s’han anomenat la generació dels més grans, no volien exposar, en aquell temps, a Madrid; preferien Barcelona, on, evidentment, existia un important sentiment de lluita antifranquista. Així, tots aquells artistes varen reconèixer en Pelaires la possibilitat d’exposar lliurement el seu treball i el lloc on trobaven un suport plàstic. Era també el lloc on es reunia la gent més progressista de Mallorca, preocupada per una situació nacional molt allunyada de la llibertat. Contràriament al que passa actualment, els plantejaments econòmics es reduien a un darrer pla, perquè allò que més importava era la lluita política i artística i el fet de poder mostrar l’obra i fer proselitisme, una actitud que avui no tindria raó d’existir (...)››.[2] 

El éxito de la galería llegó finalmente en los años 80 pues hasta 1983 no consiguió autofinanciarse con las ventas de arte, Miró ya le había alertado de que el público tardaría aún diez años antes de comprar obras tan modernas. Con el tiempo se ha convertido en una de las instituciones privadas más importantes del mercado artístico balear, entre otras causas debido a la habilidad mercantil y el buen gusto de Josep Pinya, su firme compromiso con los artistas y un indudable atrevimiento en la elección de estos. Ha promovido el Centro Cultural Pelaires de Arte Contemporáneo, una institución dedicada a promover el arte de vanguardia.

Hoy dirige Galería Pelaires el hijo del fundador, Frederic Pinya.

NOTAS.

[1] Pinya, Josep. Declaraciones. “Diario de Mallorca” (18-X-1991). 

[2] Pinya, Josep. <Aproximació a l’avantguarda a Mallorca 1959-1982>. (1996): 79-80. 

N.B. Entrevisté en 1997 a Josep Pinya, que me explicó su estrecha relación y su eterno agradecimiento a Miró.

Fuentes.

Internet.

[https://pelaires.com/]

Exposiciones.

*<Galeria Pelaires: 50è aniversari>. Palma de Mallorca. Galeria Pelaires (13 junio-10 septiembre 2019). 26 obras de Pier Paolo Calzolari, Günther Förg, Rebecca Horn, Jannis Kounellis, Richard Long, Fausto Melotti, Marisa Merz, Mario Merz, Joan Miró, Giulio Paolini, Michelangelo Pistoletto, Thomas Schütte, Antoni Tàpies. [https://pelaires.com/exposicion/galeria-arte] Redacción. La galeria Pelaires comença la celebració del 50è aniversari amb una mirada retrospectiva. “Bonart” (VIII a X-2019) 210.

<Joan Miró i el despertar de l’art contemporani a Mallorca. Miró i Pelaires 1969-1983>. Palma de Mallorca. Museu de Mallorca (28 octubre 2025-15 junio 2026). También fue conocida como Joan Miró i Pelaires, 14 anys de complicitat, primero planeada para 27 noviembre 2025-21 enero 2026, como parte de la iniciativa conjunta Paysage Miró y muestra la colaboración de Miró y los galeristas Josep Pinya y Nini Quetglas para fomentar el arte contemporáneo en la isla mediante la galería Pelaires, entre 1969 y 1983. Incluye 36 grabados de Serie Mallorca. más pinturas, carteles y catálogos. Comisaria: Magdalena Aguiló Victory. [https://www.conselldemallorca.es/es/esdeveniment/-/asset_publisher/BBpGDQJbEML8/content/joan-miro-i-el-despertar-art-contemporani-a-mallorca/13251338] Catálogo-monografía editado por Consell de Mallorca en junio de 2026.  AA. VV. Joan Miró i el despertar de l’art contemporani a Mallorca. Miró i Pelaires 1969-1983. Consell de Mallorca. 2026. 84 pp. Textos de Galmés, Llorenç (presidente del Consell de Mallorca). Joan Miró, el resorgiment d’un vincle etern (7-9). Fernández Miró, Emili. Miró, la seva biografia en relació amb Mallorca (11-16, publicado en 1993). Aguiló Victory, Magdalena (comisaria): Joan Miró i el despertar de l’art contemporani a Mallorca (19-21). Miró i la Sala Pelaires (23-29). Primera exposición de Joan Miró a Palma 1970 (31). Exposició Llorens i Joanet Artigas 1971 (39). Exposició Homenatge a Joan Prats 1972 (43). Exposició Alexander Calder (45-47). Sèrie Mallorca 1973 (51-67). Exposició Kristianstadt Museum Suècia 1973 (69). El Vol de l’Alosa 1973 (70). Exposicions Joan Miró 1978 (72-75). Exposició Joan Miró 1983 (77). Epìleg (79). Bibliografia  (80-83).

Entrevistas.

Pinya, Josep. Declaraciones. “Diario de Mallorca” (18-X-1991).

Pinya, Josep. *<Aproximació a l’avantguarda a Mallorca 1959-1982>. (1996): 79-80.

El escritor francés André Pieyre de Mandiargues (1909-1991) y su relación con Joan Miró.

El escritor francés André Pieyre de Mandiargues (1909-1991) y su relación con Joan Miró.

André Pieyre de Mandiargues (París, 14-III-1909 a 13-XII-1991). Escritor francés. De una rica familia aristocrática, tiene una sólida formación humanista y viaja por Europa y Oriente, se dedica a la poesía y el ensayo sobre arte. Entra en el grupo surrealista bastante tarde, tras su encuentro con Breton en 1947.

En los años 50 se relaciona con Miró en París y será uno de los ensayistas que mejor defiende su obra en artículos y catálogos para Maeght, entre los que destaca su texto varias veces reimpreso Terres nouvelles de Miró et d’Artigas, originalmente para <Miró-Artigas. Céramiques monumentales>. París. Galerie Maeght (7 junio-31 julio 1963), en “Derrière le Miroir”, 139/140 (13-VI-1963). Miró ilustrará su libro Miranda, la Spirale y Passage de l’Égyptienne (1979).

Fuentes.

Internet.

[https://es.wikipedia.org/wiki/André_Pieyre_de_Mandiargues]

Libros.

Jean-Clarence Lambert, en Biron; Passeron. Dictionnaire Géneral du Surréalisme et de ses environs. 1982: 335-336.

Clébert, Jean Paul. Dictionnaire du Surréalisme. 1996: 354.

Durozoi, Gérard. History of the surrealist movement. 2002 (1997): 698-699.

Artículos.

Dagen, Philippe. Mandiargues et ses peintres. Peintres et poètes surréalistes travaillaient ensemble: une exposition presque parfaite permet de le vérifier à nouveau. “Le Monde” (6-VI-1990).

El artista estadounidense Robert Rauschenberg (1925-2008) y su relación con Joan Miró.

El artista estadounidense Robert Rauschenberg (1925-2008) y su relación con Joan Miró.

Robert Rauschenberg (Port Arthur, Texas, 22-X-1925-Captiva Island, Tampa, Florida, 13-V-2008). Artista norteamericano, nacido como Milton Rauschenberg. Recibió formación en arte, poesía y música en Kansas, París, el Black Mountain College de Carolina del Norte (él y su amigo Kenneth Noland fueron discípulos de Joseph Albers) y desde 1949 en la Art Students’ League de Nueva York. Se formó inicialmente en fotografía, y cuando ya era un fotógrafo famoso comenzó su faceta de pintor como seguidor de Pollock, investigando las posibilidades de la reducción sistemática, con cuadros en blanco, negro y rojo, como las Pinturas blancas (1951). Ese mismo 1951 celebró su primera exposición individual en la Betty Parsons Gallery de Nueva York. Vivió una relación de pareja con Jasper Johns entre 1955 y 1961.

Su formación ecléctica fundió influencias numerosas como Klee, Picasso, Miró (su espacialidad infinita y elementos de su imaginario, al menos en los años 50), los expresionistas americanos, los informalistas europeos... y cultivó una amplia variedad de obras: abstracción, collage, objets trouvés... así como el diseño de escenografías y vestidos para los ballets de Merce Cunningham (desde 1952; con un puesto fijo en 1955-1965).

Consciente de que en el expresionismo abstracto no podría innovar mucho más, en un viaje a Florencia quedó impresionado por La Anunciación de Leonardo y se propuso crear un nuevo lenguaje. Por influjo del compositor John Cage el concepto de multiplicidad se impuso en su obra, así como la temática de la unión del arte y la vida, con el uso masivo y seriado de fragmentos de la realidad. Incluso tomó de Cage su teoría de “desenfocar” la mente del espectador, para hacerlo más consciente, tanto de sí mismo como del mundo que lo rodea. Ansiaba poner la mayor presencia posible del mundo en la obra e intentar que los objetos funcionaran con la máxima vitalidad posible.

Volvió a la figuración, inspirado por su fascinación por la realidad cotidiana, agresiva y humana, de las ciudades de EE UU. Desde 1958 triunfó con sus exposiciones regulares en Leo Castelli Gallery de Nueva York, donde sorprendió con sus Combine-Paintings en los que incorporaba toda clase de objetos representativos de la civilización norteamericana (botellas de coca-cola, latas de cerveza...), lo que le convirtió en un destacado precursor del Pop Art, pero lo más importante era que en estas pinturas “combinadas” se unían trozos pintados planos con objetos provocativamente tridimensionales (un cabrito relleno, un pollo o una cama revuelta). En Monogram (1955-1959, col. Moderna Museet de Estocolmo) destaca sobre el lienzo un cabrito con un neumático que le rodea el vientre. En Coca-Cola Plan (1958) una caja con alas contiene tres botellas de coca-cola.

Fue el primero —inicios de los años 60— en realizar collages de la vida a base de cómics, abriendo así una veta esencial en la pintura contemporánea, con ricos juegos de imaginería y color, y combinando pinceladas gestuales con foto-serigrafías (desde 1962). Incorporó también fotos publicitarias, tratadas con un frottage a base de un bolígrafo sin tinta y con este procedimiento termina en 1960 una serie de 34 ilustraciones para el Infierno de Dante. En 1964 obtuvo el primer premio en la 32ª Bienal Internacional de Arte en Venecia. Sus posteriores obras fueron crecientemente austeras como Early Egyptian Series (Hoarfrost) (1974), cultivando sobre todo la fotografía, el collage y la litografía.

Fuentes.

Internet.

[https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Rauschenberg]

Documentales / Vídeos.

Entrevista de Charlie Rose a Rauschenberg y un paseo de ambos por una exposición suya en el Guggenheim Museum neoyorquino (1998). 23 minutos.

Exposiciones.

*<Un musée éphémère. Collections privées françaises 1945-1985>. Saint-Paul-de-Vence. Fondation Maeght (octubre 1986): 112-113.

<Rauschenberg>. Madrid. Fundación Juan March (febrero-marzo 1985). 32 obras. Cat.

<Rauschenberg>. Barcelona. FJM (18 marzo-19 mayo 1985). Cat. s/p.

<Robert Rauschenberg: The Slikscreen Paintings 1962-64>. Nueva York. Whitney Museum of American Art (7 diciembre 1990-17 marzo 1991). Cat. Textos de Roni Feinstein; Calvin Tomkins. 179 pp.

<Robert Rauschenberg>. Düsseldorf. Kunstsammlung Nordheim-Westphalen (7 mayo-10 julio 1994). Cat. Textos de Armin Zweite, Hildryd Reinhold. 212 pp.

Vídeo de la preparación de la retrospectiva en el Guggenheim Museum. 10 minutos.

<Robert Rauschenberg. A Retrospective>. Nueva York. Guggenheim Museum (19 septiembre 1997-7 enero1998). [https://www.guggenheim.org/exhibition/robert-rauschenberg-a-retrospective-3]

<Robert Rauschenberg: combines>. Nueva York. MET (20 diciembre 2005-2 abril 2006). Itinerante por Los Ángeles, París y Estocolmo, con 67 combines. Comisario: Paul Schimmel. Reseña de Landi, Ann. “Art News”, 105, nº 3 (III-2006) 130.

<Rauschenberg. Express>. Madrid. Museo Thyssen-Bornemisza (7 noviembre 2006-17 enero 2007). Exposición basada en la obra Express (1963), de la col. Thyssen, y otras del mismo periodo (1958-1963). Comisaria: Barbara Rose. Reseña de Magrinyà, Lluís. Rauschenberg, en el puente. “El País” (6-XI-2006) 62.

*<Doble mirada a España, las fotografías españolas de Josef Albers y Robert Rauschenberg>. Madrid. Galería Cayón (2013). Nueve fotos de los viajes de Albers en 1930 y Rauschenberg en 1952 y 1953; ambos se conocieron en 1948 en el Black Mountain College, donde el alemán fue profesor del estadounidense. Reseña de Fernández-Santos, Elsa. Las vacaciones de Albers y Rauschenberg “El País” (27-VI-2013) 48.

<Robert Rauschenberg: Among Friends>. Londres. Tate Modern (1 diciembre 2016-2 abril 2017). Nueva York. MoMA (21 mayo-17 septiembre 2017). Retrospectiva con más de 250 obras realizadas en colaboración con artistas, bailarinas, músicos o escritores.  Comisarios: Leah Dickerman y Achim Borchardt-Hume, en colaboración con Emily Liebert, Jenny Harris y el artista Charles Atlas.[https://www.moma.org/calendar/exhibitions/3634] Reseña de De Diego, Estrella. Objetos de desasosiego. “El País” Babelia 1.306 (3-XII-2016).

*<Five Friends: John Cage, Merce Cunningham, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Cy Twombly>. Múnich. Museum Brandhorst (10 abril-17 agosto 2025). Colonia. Museum Ludwig (3 octubre-11 enero 2026). Reseña de Meyer, James. “Artforum” (IV-2026) 135-137.

Libros.

Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, désignateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 11, pp. 461-464.

Biron; Passeron. Dictionnaire Géneral du Surréalisme et de ses environs. 1982. Lambert, Jean-Clarence. Robert Rauschenberg: 351.

Foster; Krauss; Bois; Buchloh. Arte desde 1900. 2006 (2004): 368-370.

Hughes, R. Visiones de Amñerica: La historia épica del arte norteamericano. 2001: 527-532.

Joseph, Branden W. Random Order: Robert Rauschenberg and the NeoAvant-Garde. MIT Press. Cambridge, Massachusetts. 2003. 418 pp. Una visión filosófica. Reseña de Richard Meyer en “ArtForum” vol. 41, nº 6 (II-2004) 25-26, con una visión de la última historiografía sobre el artista, centrada en el tema de la homosexualidad.

Kotz, Mary Lynn. Rauschenberg. Art and Life. Harry N. Abrams. Nueva York. 1990. 319 pp.

Mattison, Robert S. Robert Rauschenberg: Breaking Boundaries. Yale University press. New Haven. 2003. 277 pp. Una visión general sobre vida y obra.

Maillard. Le Robert. Dictionnaire universel de la peinture. 1975: vol. 5, p. 377-381.

Artículos.

AA.VV. Especial de homenaje, con textos de Barbara. Celis. Un maestro abstracto, pop y confuso. “El País” (14-V-2008) 46. Carmen Giménez. Creador hasta la muerte (46). Jordi Teixidor. La estética de la calle (46). Estrella de Diego. Robert y Jasper, increíbles Matson Jones (47).

Rojas, Diana. Robert Rauschenberg (1925-2008). “ArtNexus”, vol. 7, nº 70 (2008) 64.

El escritor francés Gaëtan Picon (1915-1976) y su relación con Joan Miró.

El escritor francés Gaëtan Picon (1915-1976) y su relación con Joan Miró.

Gaëtan Picon (Burdeos, Gironda, 19-IX-1915-París, 15-VIII-1976). Escritor y crítico literario y de arte francés. Familiar del escritor surrealista Pierre Picon. Profesor de Filosofía, fue entre 1959 y 1966 Director General del Departamento de Artes y Letras del Ministerio de Cultura en el mandato de André Malraux (1959-1970), colaboró en la creación de las Maisons de Culture, y fue desde 1966 director de estudios de la Escuela Práctica de Estudios Superiores de París.

Comenzó a publicar relativamente tarde, en 1960. Fue colaborador de la revista y editorial Mercure de France antes de su desaparición en 1965. Como crítico de arte sus intereses se extendieron a Ingres, Manet, Picasso, Dubuffet y muchos otros artistas, aunque se especializó en Miró —destaca su libro Joan Miró, carnets catalans (1976)—, el surrealismo y el informalismo francés.

Fuentes.

Internet.

[https://fr.wikipedia.org/wiki/Gaëtan_Picon]

Libros.

Picon, Gaëtan. Admirable tremblément du temps. Skira. París. 1970. 154 pp. Una obra de referencia que reivindica el valor de la obra final de los grandes artistas.

Picon, Gaëtan. Surrealists & Surrealism. Skira. Ginebra. 1995 (1977). 217 pp. Trad. español. Diario del surrealismo. 1919-1930. Skira / Destino. Ginebra. 1981. 231 pp.

El artista francés Francis Picabia (1878-1953) y su relación con Joan Miró.

El artista francés Francis Picabia (1878-1953) y su relación con Joan Miró.

Francis (François Marie) Martínez Picabia (París, 22-I-1879 a 30-XI o 1-XII-1953). Pintor francés de origen español (tuvo un tiempo esta nacionalidad), era hijo de una francesa y un rico terrateniente cubano, lo que le permitió mantener siempre un nivel de vida desahogado.

Formado en las Escuelas de Bellas Artes y de Artes Decorativas de París. En 1905 celebra su primera exposición individual, con un estilo influido por el colorido de Gauguin, pero con una síntesis casi abstracta.

Hacia 1909-1910 conoce a su gran amigo Marcel Duchamp y a sus hermanos. En 1911 funda el grupo cubista Section d’Or. En 1912 realiza sus primeras pinturas abstractas. En 1913 viaja a Nueva York, donde contacta con Stieglitz, y durante la I Guerra Mundial viaja por EE UU en 1915 y por Europa en 1917, con una larga estancia en Barcelona, editando las revistas dadaístas “291” y “391”, en colaboración con Duchamp.

Probablemente Miró le conoce sólo de vista en 1917 en la Galería Dalmau y lee su revista, pero no hay constancia documental de un encuentro personal, aunque su influencia estética es manifiesta en estos años.

Miró, ya establecido en París, le preguntó hacia 1924 a Masson si debía ir a ver a Picabia o a Breton y la respuesta fue­: ‹‹Picabia ya pertenece al pasado, Breton es el futu­ro.››[1] No obstante, en 1927 Miró aumentó su correspondencia con otros artistas y entre ellos estuvo Picabia, ala que escribe una carta el 10 de junio en la que manifiesta su deseo de conocerle —lo que corrobora que no lo hizo en 1917—, le envía el catálogo de su muestra y explica que le pide a su mutuo amigo Robert Desnos noticias suyas.[2] ¿Por qué este recuperado interés en una época en que ya ha dejado atrás a Picabia? Probablemente influyó de manera decisiva que Breton seguía apreciando mucho al hispano-cubano. Butor señala que el aprecio por Breton ha per­miti­do que algunos artistas hayan superado el implacable jui­cio estético del siglo XX:

‹‹Une autre chose que j’aimerais signaler à propos de Bre­ton, c’est la fidélité qu’il pouvait garder à des oeuvres, au-delà des brouilles avec leur auteur. N’oublions pas, par exem­ple, que si nous voyons Picabia aujourd’hui, c’est à cause de la fidélité esthètique de Breton à Picabia, malgré leur ruptu­re. C’est grâce à Breton que le Udnie de Picabia, qu’il a trou­vé et identifie, est aujourd’hui au Centre Georges Pompidou. Il pouvait donc être fâché avec l’homme tout en reconnaissant que l’oeuvre gardait une vertu révolutionnaire, prospective.››[3]

Picabia, Parade amourese.

Picabia. Hera (c. 1929). Óleo sobre cartón (106 x 75). Col. privada. Esta técnica pictórica probablemente influye en Miró.

Picabia vuelve en 1919 a París, donde vive el paso del dadaísmo al surrealismo. Los años 30 fueron de crisis personal y creativa, y después de 1945 se convirtió en un puente hacia el informalismo. Los franceses le rechazaron muchos años como un pintor extranjero, un metèque (no francés). Le entusiasmaba ciertamente la mezcla, lo interracial, el mestizaje cultural, el cambio. Presumía de ‹‹Yo he nacido en el seno de una familia cubana, española, francesa, italiana, americana, y lo mejor es que tengo la impresión de tener todas esas nacionalidades a la vez››. Vivió entre dos guerras, participó en la difusión de los movimientos dadaísta y surrealista y fue precursor del pop-art. Gran personaje del arte y la cultura modernos, supo unir ‹‹una gran habilidad técnica, una audacia y un don para la invención que sobrepasaron todas las teorías estéticas››. Decía: ‹‹Hay que cambiar de idea como quien cambia de camisa››. Era envidiado por casi todos los artistas contemporáneos, lo que explica, tanto como las diferencias estéticas, que se enfrentara a Arp y Tzara, que le crucificaban sin tasa. Picabia parodió en un texto de 1921 las críticas de Tzara: ‹‹Francis Picabia es un gracioso, es un idiota, es un payaso, no es un pintor, no es un literato, es un imbécil, es un profesor, es un español, no es serio, es rico, es pobre››.

Picabia siempre fue un artista crítico con los demás artistas y vivió relativamente aislado de los ambientes vanguardistas —excepto al final, cuando en 1945 formó un grupo con Wols y los que luego formarían la corriente “existencialista”—, aunque sí mantuvo una buena relación los marchantes y los coleccionistas. La gran especialista española María Luisa Borrás, escribe: ‹‹El cambio en él era una constante. En cuanto domina un tema, en cuanto encuentra el éxito, en cuanto la gente le aplaude, busca algo nuevo; continuamente está cambiando de un lugar a otro››.

Se le hizo una gran exposición sobre la influencia de España en su arte, en especial su pintura figurativa con temas españoles y la pintura abstracta relacionada con la poética vanguardista.

Pierre Arnault prepara el catálogo razonado de Picabia.

NOTAS.

[1] Ades. Dada y el surrealismo. 1975 (1974): 37.

[2] Carta de Miró a Picabia. París, 45 Rue Blomet (10-VI-1925). [Umland. <Joan Miró>. Nueva York. MoMA (1993-1994): 323, n. 230.]

[3] Butor; Dufour. Conversación. André Bre­ton pas­sion et prudence. “Art Press”, 157 (IV-1991): 51.    

Fuentes.

Internet.

[https://es.wikipedia.org/wiki/Francis_Picabia]

[https://es.wikipedia.org/wiki/Gabrielle_Buffet-Picabia]

Documentales / Vídeos.

Exposiciones.

<Francis Picabia (1879-1953)>. Madrid. Salas Pablo Ruiz Picasso (29 enero-31 marzo 1985). Barcelona. La Caixa (15 abril-26 mayo). Cat. Textos de Ulf Linde, Marga Paz, M.L. Borràs, R. Santos Torroella. Francis Picabia i Barcelona (49-59)... 380 pp.

<Picabia. Opere 1898-1951>. Milán. Studio Marconi (febrero-marzo 1986). Cat. 108 pp.

<Francis Picabia>. Nimes. Musée des Beaux-Arts (11 julio-30 septiembre 1986). Cat. 191 pp.

<Francis Picabia>. Amberes. Fundación Ronny Van de Velde (28 febrero-25 abril 1993). 55 obras. <Picabia>. Barcelona. FJM (20 mayo-junio1993). <Picabia>. Palma. FPJM (13 mayo-27 junio 1993). Cat. Texto de M.L. Borrás. Ed. Electa. Madrid. 110 pp. Se editó una carpeta de coleccionista, titulada La Sainte Vierge, con fotografías, reprod. facsímil de nº 5-6 de “291”, nº 1-19 de “391”, “Cannibale”, textos y documentos diversos, y el catálogo.

<Francis Picabia. Singulier idéal>. París. MAMV (16 noviembre 2002-16 marzo 2003). 200 obras. Cat. 480 pp. 200 ilus.

*<Barcelona and modernity. Picasso, Gaudí, Miró, Dalí>. Cleveland. Cleveland Museum of Art (2006-2007). Falgàs, Jordi. Gleizes and Picabia at Galeries Dalmau: Too Green for Our Teeth: 319-327.

*<Duchamp, Picabia, Man Ray>. Londres. Tate Modern (19 marzo-26 mayo 2008). Barcelona. MNAC (26 junio-21 septiembre 2008). Más de 300 obras. Comisaria: Jennifer Mundy. Reseñas de Tubella, Patricia. Marcel Duchamp sí tenía razón. “El País” (19-III-2008) 36. Castro Flórez, Fernando. Duchamp, Man Ray y Picabia. El trío calavera. “Descubrir el arte”, año X, nº 109 (III-2008) 26-35. Castro, F. Marcel Duchamp. Jugada de ajedrez para “dejar de ser” artista. Op. cit. 36-37. Bosco, Roberta. Historia de arte, dadá y amistad. “El País” Cataluña (26-VI-2008) 6.

*<La mano con lápiz. Dibujos del siglo XX. Colecciones Fundación Mapfre>. Madrid. Fundación Mapfre (27 mayo-27 agosto 2011). Más de cien dibujos de Fortuny, Sorolla, Picabia, Renoir, Egon Schiele, Picasso, Torres García, Barradas, Juan Gris, Sonia Delaunay, Dalí, Miró, Óscar Domínguez, Rodin, Pinazo, Regoyos, Klimt, Matisse, Nonell, Paul Klee, Benjamín Palencia, Manuel Ángeles Ortiz, Tàpies, Chillida...

David Salle / Francis Picabia. Thaddaeus Ropac (2013). 3:47. [https://www.youtube.com/watch?v=jtSPktx6ZQk]

*<David Salle / Francis Picabia>. París. Galerie Thaddaeus Ropac (23 enero-23 febrero 2013). [https://ropac.net/video/108-david-salle-francis-picabia/]

<Francis Picabia, a retrospective>. Zúrich. Kunsthaus (3 junio-25 septiembre 2016). 200 obras.

<Francis Picabia>. Nueva York. MoMA (21 noviembre 2016-marzo 2017). 200 obras: 125 pinturas, 45 dibujos, una película, revistas... Reseña de Sancho, Mateo. Picabia, el pintor de todos los géneros, se instala en el MoMA de Nueva York. “El País” (26-XII-2016).

*<Picasso-Picabia. La pintura en cuestión>. Barcelona. Fundación Mapfre (11 octubre 2018-18 enero 2019). 150 obras. Comisaria: Aurélie Verdier. [https://www.youtube.com/watch?v=YxLQHhULSks] Montañés, J. Á. Vidas paralelas de Picasso y Picabia. “El País” (11-X-2018). / Reseña de Combalía, V. Visca la provocació. “El País” Quadern 1.753 (10-I-2019).

<Francis Picabia. Femmes: Works on Paper>. Nueva York. Michael Werner Gallery (27 abril-18 junio 2022). 40 obras en papel entre 1902 y 1950. [https://www.michaelwerner.com/exhibitions/francis-picabia4]

<Francis Picabia: Femmes>. Nueva York. Michael Werner Gallery (5 septiembre-23 noviembre 2024). Pinturas de los últimos tres decenios. [https://www.michaelwerner.com/exhibitions/francis-picabia7] Reseña de Jonathan Odden. “Artforum” (XII-2024) 165.

Francis Picabia: Éternel récommencement - Eternal Beginning. Comentarios de Beverley Calté, Arnauld Pierre y Sarah Allen. Hauser & Wirth (2025). 8:58. [https://www.youtube.com/watch?v=B7gREBOv3o8]

<Francis Picabia: Éternel récommencement - Eternal Beginning>. París. Hauser & Wirth (18 enero-12 marzo 2025). 

40 obras realizadas después de su retorno a París en 1945. Nueva York. Hauser & Wirt (1 mayo-25 julio 2025).  Se redujo a 20 pinturas entre 1945 y 1952.  

En colaboración con Comité Picabia. Comisarios: Beverley Calté y Arnauld Pierre. Catálogo. Prefacio de Beverley Calté. Textos de Arnauld Pierre y Candace Clements. 

[https://www.hauserwirth.com/hauser-wirth-exhibitions/francis-picabia-eternel-recommencement-eternal-beginning/]

‹‹Representative of Picabia’s restless artistic spirit, the works on view highlight his singular approach to abstraction, his iconoclastic tendency to repaint earlier works and his enduring attention to both surface texture and novel sources of inspiration.

The first 30 years of Picabia’s practice were defined by his rapid progression through different styles and techniques, and his experimentation with a succession of artistic movements that included impressionism, fauvism, dadaism and cubism. In 1925, Picabia retreated from Paris to Mougins on the Côte d’Azur, where he produced his ‘Transparencies’—beguiling compositions that layer motifs from ancient artworks and old master paintings—as well as more realistic works, such as landscapes. His infamous naturalistic nudes followed; lurid depictions of female figures excerpted from mass-produced erotica.

In 1945, facing challenging economic circumstances and seeking a fresh start, Picabia returned to Paris. There, he announced in an interview that he was searching for a ‘third path’ forward between surrealism and abstraction, the two dominant forces in postwar European art. Even as he rejected surrealism’s emphasis on elaborate figuration, Picabia aspired to continue—through abstraction—the movement’s engagement with the artist’s unconscious and innermost sensibilities. While Picabia resisted being confined to group labels throughout his life, he was willingly associated with the growing art informel movement during this time, and opened his studio ‘almost every Sunday’ to younger artists such as Henri Goetz, Christine Boumeester, Raoul Ubac, Jean-Michel Atlan and Georges Mathieu.

By merging discrete references and artistic traditions, Picabia developed visual and symbolic languages that were entirely novel. Art historians have directly attributed motifs in ‘Le U’ (1950), ‘Villejuif [I]’ (1951) and ‘La terre est ronde (The Earth is Round)’ (1951)—among other paintings on view in this exhibition—to Picabia’s frequent use of a catalogue documenting Romanesque art from Catalonia, published by Barcelona’s municipal museum in 1926. The composition of ‘La terre est ronde (The Earth is Round)’ (1951), for example, adapts key forms from an illustration in a tenth century illuminated manuscript depicting an angel of the biblical apocalypse, that was reproduced in the Barcelona museum’s 1926 catalogue. In Picabia’s rendition, the multicolored circles suspended in air and arrayed on the ground around the central figure ally this more representational work with the artist’s ‘dot’ paintings. Picabia also appropriated from text, often drawing on Nietzsche for his titles, as seen here in ‘Cherchez d’abord votre Orphée! (First Seek Your Orpheus!)’ (1948) and ‘Bonheur de l’aveuglement (Joy of Blindness)’ (c. 1946–1947), both inspired by passages in ‘The Gay Science’ (1882).››

Libros.

Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, désignateurs et graveurs. Gründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 10, pp. 866-869.

Borràs, Maria Lluïsa. Picabia. Polígrafa. Barcelona. 1985. 551 pp.

Camfield, William. Francis Picabia. Eric Losfeld. París. 1972. 81 pp.

Michel Carassou, en Biron; Passeron. Dictionnaire Géneral du Surréalisme et de ses environs. 1982: 331-333.

Clébert, Jean Paul. Dictionnaire du Surréalisme. 1996: 463-466.

Durozoi, Gérard. History of the surrealist movement. 2002 (1997): 697.

Picabia, Francis. Ecrits 1913-1920. Edición de Olivier Revault d’Allonnes. vol. I. Ed. Belfond. París. 1975. 284 pp.

Picabia, F. Ecrits 1921-1953 et posthumes. Edición de Olivier Revault d’Allonnes. vol. II. Ed. Belfond. París. 1978. 382 pp.

Picabia, F. Lettres à Christine 1945-1951. Gérard Lebovici. París. 1988. 251 pp.

Pierre, Arnauld. Francis Picabia. La peinture sans aura. Gallimard. París. 2002. 335 pp. 140 ilus.

Artículos.

Cassanyes, M.A. A propos de l’Exposition Francis Picabia et de la Conférence d’André Breton. “Littérature, nouvelle série”, nº 9 (febrero-marzo 1923) 22-24.

Bernat Marcadé. Picabia. L’Esprit du kaléidoscope. “Beaux Arts”, 222 (XI-2002) 62-69.

Yvars, J.F. Mercurial Picabia. “La Vanguardia” (15-XII-2002), en Yvars. Los colores del hierro. Una aproximación al arte moderno. 2003: 277-280, cit. Miró 278.

Picabia. Femmes au bulldog (1941). [“Magazine” Fashion & Arts 7 (XI-2016).] Una enigmática pose de dos mujeres desnudas en un lecho, con un perro.